Hay pocos artistas en Italia que hayan pensado tanto y fructíferamente sobre el mundo digital, y su repentina evolución y aplicación artística, como Davide María Coltro (Verona, 1967), conocido por ser “el inventor del panel electrónico”. Esta pintura electrónica, que se hizo famosa con su participación en el Pabellón Italiano de la 54ª Bienal de Venecia, asigna connotaciones abstractas al lenguaje mediático y codifica elementos fundamentales (como bits y píxeles) en una nueva combinación sintética y filosófica. Ahora, su producción más reciente se exhibe en Museo MA*GA De Gallarate.
Exposición de Davide Coltro en MA*GA
Comisariada por Alessandro Castiglioni Con la contribución crítica de Elena Pontiggia (abierta hasta el 1 de septiembre de 2024), la exposición Abstracción de medios está en continuidad con un análisis más amplio del arte abstracto, desde el Del movimiento del arte concreto a la pintura analítica. Coltro interpreta estos temas como el diálogo entre arte y ciencia, las nuevas fronteras cognitivas de los estudios visuales y la redefinición de la relación entre arte y espiritualidad, una perspectiva según la cual el museo se convierte aquí en un lugar de contemplación. Paralelamente a la exposición, el artista pretende entrar en contacto directo con el público, por un lado conectando al tejido urbano de Gallarate con sus propias obras, transmitidas en tótems digitales repartidos por la ciudad (según el concepto de “Civic Framework” ya introducido en Shanghai en 2006); por otro, combinando la exposición con un programa de talleres permanentes sobre la relación entre la fisicalidad tecnológica y la inmaterialidad digital.
El artículo continúa a continuación.
La entrevista con Davide María Coltro
¿En qué se diferencia su producción más reciente de las obras históricas?
Al principio experimenté con la pintura con materiales alternativos, después de un tiempo me apasioné por la pintura digital y por las tecnologías de impresión: en consecuencia surgió la intuición de poder utilizar las pantallas como lienzos, ya no como lugares donde proyectar imágenes sino superficies de nacimiento y Transformación de la pintura. Durante mucho tiempo me acompañó un cierto distanciamiento del arte abstracto, que me parecía residual pero que en los últimos años me ha involucrado totalmente. El expresionismo abstracto americano, el rigor constructivista, el arte cinético y programado, la pintura analítica europea junto con el arte relacional y público entraron en la construcción de mi tambaleante edificio cultural. Era como afrontar un nuevo comienzo, empezar de nuevo desde las varillas y los puntos. Ya puedo considerar algunas series como piedras angulares de la primera etapa de este viaje, que comenzó en 2018: Cuerdas, Diapasón, Mosaico, Metrópolis, Código.
¿Cómo definirías “pintar más allá de la materia”?
El arte surge de necesidades muchas veces inexpresables a través de palabras y conceptos y a su vez se transmite generando estímulos que mueven el espíritu sin necesariamente cuestionar la parte racional que formula el lenguaje. “Pintar más allá de la materia” utiliza principios comunes a la pintura tradicional medializada por las tecnologías electrónicas y de la información: el monitor se utiliza para generar campos cromáticos que emiten luz laminar, el color es visible pero no se deposita materialmente en la superficie iridiscente porque, citando a Nicholas Negroponte, esta pintura ha pasado de “átomos a bits”, gracias al código que ejecuta el Quadro Mediale, reconfigurando continuamente los píxeles en un flujo de medios ininterrumpido. De alguna manera volví al principio de intocabilidad del color.
¿Cómo encaja la reflexión sobre la espiritualidad en el contexto de los Estudios Visuales?
Es una pregunta interesante e insidiosa, porque parece que las urgencias teóricas y científicas de los Estudios Visuales no tienen grandes puntos de contacto con la parte espiritual del hombre. WJT Mitchell, uno de los mayores teóricos de la Cultura Visual, incluye la relación entre sus fundamentos imagen de la imagen, donde “imagen” es la entidad física, el soporte o medio que alberga la imagen, mientras que “imagen” identifica una propiedad inmaterial, la esencia que hace que una imagen sea identificable incluso si se transfiere de un medio a otro, o incluso simplemente como un medio mental. imagen. De esto, hay una suposición autorizada en el Fenomenología de Hegel. Creo que los Estudios Visuales abren nuevas perspectivas incluso fuera de su línea de crítica política, social y económica, arraigadas en un materialismo histórico filtrado y actualizado: tomo en consideración la larga historia de las imágenes sagradas y su poder comunicativo, con especial atención a la categoría de “exvoto” y “reliquias sagradas”.
El arte digital según Davide Coltro
¿Cuál crees que es la dirección del arte digital? ¿Y cuál es, si la hay, la contribución de la Inteligencia Artificial en este escenario?
El arte digital, que inició sus actividades en las décadas de 1970 y 1980, con prácticas experimentales y propósitos completamente divergentes a los actuales, tuvo un componente teórico comprometido y coherente. En nuestro tiempo actual se ha enriquecido con medios demasiado avanzados en comparación con la reflexión artística que, en mi opinión, carece de sincronía con estos escenarios acelerados. Salvo algunos casos de artistas que han seguido una investigación comprometida y coherente, nos encontramos inmersos en una proliferación de espectacularizaciones que pertenecen al entretenimiento, al diseño visual y a la creatividad, pero poco al arte. Los NFT han sido la prueba de fuego de una superficialidad que ha confundido a muchos. Respondiendo a tu pregunta, creo que es necesaria una reflexión teórica sistemática por parte de los artistas, liberados del yugo de la tecnología y su esclavitud. Sin este esfuerzo será difícil escapar de una espiral de banalidad que impide el florecimiento de obras significativas y maduras respecto a estos nuevos medios que deben ser metabolizadas y no sólo diseccionadas y clasificadas en sus efectos sociales. Bienvenidos a la IA que representa la síntesis del progreso tecnológico en cuestión, debe considerarse una herramienta, aunque excepcionalmente avanzada, sin idiosincrasias ni impulsos irracionales. Será un compañero en el futuro y creo que aún ahora el proceso es irreversible, habrá muchos cambios como una gran ola que será mejor surfear que dejarse abrumar por ella.
¿Cómo adaptó el concepto de Marco Cívico presentado en China al entorno (y a los ciudadanos) de Gallarate?
Han pasado muchos años desde que intenté este experimento de ampliación del espacio expositivo. Es necesario considerar la diferente disposición de los “Terminales Artísticos Remotos”, que pueden ser vistos por un gran número de personas sin que ninguna de ellas haya elegido acceder a un lugar expositivo concreto: se dibuja un mapa relacional que involucra al público heterogéneo en el tránsito, la obra misma como flujo mediático, el consentimiento de los gestores de los recursos públicos, el espacio urbano vivido por la comunidad y finalmente el artista como origen del proceso. Con gran generosidad el Departamento de Cultura ha puesto a disposición todos los puntos de información digital disponibles con acciones cívicas y culturales concretas. Estos tótems de mediano formato, verticales y anclados al suelo, se pueden observar de cerca como las obras expuestas en el Museo MA*GA. La diferencia de uso es sustancial en comparación con las pantallas grandes que usé allá por 2006 en Shanghai porque una observación minuciosa crea una mayor empatía entre la obra y sus usuarios. Transformar la pintura en un flujo digital es el proyecto que vengo desarrollando desde hace 25 años, mi mensaje repite que el arte es un valor que alimenta la vida, y creo que es un camino a seguir hasta el final.
¿Es el tuyo un arte “difícil”? ¿Con esta exposición individual se dirige a profesionales o, por el contrario, llega a un público más amplio?
No creo que podamos hablar de un “arte difícil”, mis obras siempre han tenido un “blindaje” estético que las ha hecho muy populares entre el público más heterogéneo, aspecto que ha engañado a quienes no han podido superarlo. este filtro. Probablemente, el uso ligero y un desvinculación cultural general han contribuido a generar vacíos léxicos y semánticos, bloqueando a muchos la primera interpretación. En los últimos años se han publicado dos publicaciones con intenciones divulgativas pero científicamente comprometidas, para alimentar las expectativas que han crecido en torno al resultado de mi investigación, escritas por Alberto Fiz y Elena Pontiggia, y ambas han demostrado ser de gran utilidad para llenar el espacio interpretativo. brechas. El proyecto MA*GA pretende ahora eliminar los malentendidos de la lectura del antiguo escenario, y junto con el curador Castiglioni, Pontiggia y otros críticos estamos trabajando en un volumen que esperamos sea una fuente de interpretación para este nuevo, enteramente “no línea de investigación “objetiva”. La exposición representa sólo una parte del proyecto que pretende facilitar el uso y comprensión de mi obra, compartiendo la experiencia con talleres educativos especialmente preparados y visitas guiadas. El ambicioso objetivo es llegar tanto a los profesionales como al público en general.
Giulia Giaume
Artribune también está en Whatsapp. Simplemente haz clic aquí para suscribirte al canal y estar siempre actualizado
