El desorden del palimpsesto arquitectónico e histórico de Roma sedujo a Louise Bourgeois (1911 -2010) desde su primer viaje a Italia. Le parecía fantástico y no podía ser de otra manera para una artista como ella, acostumbrada a acumular y “reparar” objetos y fetiches, a coser minuciosamente fragmentos de memoria en sus obras, a sedimentar recuerdos, shocks infantiles y ficciones imaginativas para construir una Narrativa rigurosa de sí misma, físicamente terapéutica, siempre situada en relación con la sombra de un cuerpo acogedor pero cruel, jaula represiva y lugar abierto del deseo, verdadero y reiterado “origen del mundo”.
ROMA, mantendrá, por tanto, su secreto parecido con esas “células” de cuento de hadas, salas autobiográficas y muy cinematográficas que Bourgeois acabará montando, a partir de los años 1990, en su estudio de Nueva York. Europa, en cambio, ya no le pertenecía: la había abandonado junto con su Francia natal, casándose con el crítico de arte estadounidense Robert Goldwater. Era 1938: lejos de los vientos oscuros de la guerra, será libre de concentrarse exclusivamente en su “escena primaria” -madre debilitada por la gripe española, padre infiel y abandonado-, ese trauma que reivindicará como fundamento y germinación. del arte, creando su propia mitología de pertenencia identitaria en la insistencia de una dualidad sexual en conflicto, entre miedos ancestrales y arraigo en la soledad de cada individuo, una vez expulsado y colocado en el imparable círculo de la vida/muerte. El mismo donde los órganos “reproductivos” son vorazmente protagonistas y testigos oblicuos del pasado y del futuro. En el libro Destrucción del padre / Reconstrucción del padre. Escritos y entrevistas (Quodlibet, 2009), a través de numerosos textos, incluidos los de adolescentes (el diario de 1923 perdido en el tren fue encontrado más tarde en un puesto parisino) se puede rastrear todo el poder creativo de la repetición simbólica del yo.
EN EUROPASin embargo, a partir de la década de 1960, Bourgeois regresó con frecuencia. Si trabajaba el mármol en Carrara y Pietrasanta (tenía incluso un estudio), en Roma pasaba las tardes en los jardines y en el interior de la Galería Borghese, presa del síndrome de Stendhal (“fue maravilloso, un sueño, 6 Bernini” , escribe).
La afinidad electiva entre el artista y la colección del cardenal encuentra ahora una correspondencia nueva y vivificante en la exposición instalada en la Galería Borghese Luisa burguesa. El inconsciente y la memoria (abierto hasta el 15 de septiembre, concebido por Cloé Perrone y comisariado por Geraldine Leardi y Philip Larratt Smith, en colaboración con la Fundación Easton y la Academia Francesa; la instalación también se presenta en Villa Medici Sin salida – y con el apoyo de Fendi).
LA MISE EN ABYME es el dispositivo narrativo que se desarrolla habitación tras habitación, enmascarando y revelando una serie de veinte obras en diálogo metamórfico (y psicológico) con los temas abordados por los antiguos maestros, invadiendo el Aviario y el jardín, entre manos que se buscan y un famoso Arañasaraña tejedora materna (sus padres tenían una tienda de tapices que también restauraron, ed), protege y, no pocas veces, envuelve. En la Sala de Apolo y Dafne, la escultura vuelve a proponer el tránsito de cuerpos que se vuelven salvajes Topiarios donde un busto de niña se abre a la fertilidad en forma de planta.
La transformación, el rito de paso que marca el desnudamiento de la infancia para acercarse a la edad adulta, sigue siendo el tema espinoso “encerrado” en Celúla (el más grande que ella creó) reconstruido en la Loggia di Lanfranco. Pasaje peligroso el título, para indicar que todo despertar a una nueva vida trae consigo el riesgo de una conciencia dolorosa, ante la pérdida de la inocencia.
Siguiendo los pasos de Louise Bourgeois y su presencia excepcional en Italia, se puede improvisar un Grand Tour contemporáneo, aterrizando en Nápoles, en la galería Trisorio que a partir del 25 de junio le rendirá un homenaje con Lengua rara – y viajando a Florencia, donde en el Museo del Novecento, que celebra actualmente sus primeros diez años de actividad (a pesar de los obstinados ataques del candidato derechista a la alcaldía Eike Schmidt), se desarrolla hasta el 20 de octubre otra magnífica exposición, centrada en el complejo de abandono, reproducido por la artista en forma de esa obsesión serial que la acompañará durante toda su existencia. El eco de Bourgeois también se extiende al Ospedale degli Innocenti: dos lugares florentinos que seguramente le hubieran gustado, este último en resonancia con la privación de cuidados y la traición de la infancia a los que regresa a menudo el escultor y pintor. El Museo del Siglo XX, dirigido por Sergio Risaliti (comisario de la exposición junto a Philip Larratt-Smith), habitado en el Claustro por pareja de arañas, una araña doble icónica, en cambio, narra en sus espacios monásticos historias de niñas pobres a las que se les ofreció refugio. La ósmosis es total: el niño atrapado en la retina incorpora el trauma y lo devuelve a la vida.
UN DENTRO Impresionantes gouaches sangrientos y amnióticos, formas orgánicas, botánicas, eróticas y, sobre todo, una maternidad de doble filo (la muerte de la madre vivida como expiación, el “dar a luz” como un desprendimiento culpable) pueblan las habitaciones, devolviendo una intimidad suspendida y tal vez violada. Cámaras de la memoria en las que fluye el color, rompiendo el control. En medio de tanta conexión líquida con los estados de la vida, surge la colaboración entre Bourgeois y Tracey Emin, dieciséis impresiones digitales sobre tela tituladas No me abandonesverdaderos velos de memoria.
