un territorio por descubrir a través de un viaje de arte contemporáneo

Mecánica del asombro es una revisión de exposiciones personales de arte contemporáneo creadas por Albano Morandi, que llega a su decimoctava edición con seis eventos, repartidos entre la ciudad de Brescia, en edificios históricos y museos, y el Lago de Garda, en iglesias, casas y sitios naturalistas. la intervención de morandy se configura como una “dirección” de los acontecimientos: en el proyecto general se identifica a los artistas para hacerlos interactuar de manera particular con los espacios expositivos.

Una especie de exposición generalizada, casi una macroinstalación que involucra el territorio, donde cada evento es percibido como específico del sitio, ofreciendo al visitante un viaje lleno de ideas perceptivas y meditativas, junto con la oportunidad de descubrir lugares sorprendentes muchas veces desconocidos para la mayoría. En la simbiosis entre exposición y lugar parece emerger un sutil hilo de reflexión -existencial-individual y colectiva en comparación con el entorno y la naturaleza- que se deshace entre ideas más específicamente ligadas al debate del origen urbano -intrapsíquico, cuestionador, irónico, eruditos, basados ​​en la ciudad – y enfoques de reflexión mística, emocional y mágica sobre la naturaleza, en eventos basados ​​en el campo del Lago de Garda.

Así es como Antonio Violetta, en las suntuosas pero austeras habitaciones del Palazzo Averoldi en Brescia, en Entrelazándose comienza con una instalación en la que fragmentos de material plástico marcan una losa en perspectiva que conduce a una escultura antropomorfa, enigmática en su relación con el vasto entorno: es el viático de las salas pobladas de esculturas -casi en forma de extrusiones de materiales de fusión-. que poco a poco toman la forma de indicios de rostros, evolucionando desde el incógnito informal inicial para entrelazarse entre sí en diálogos alusivos articulados en el espacio.

Mientras tanto, en la sede de la Universidad de Brescia -un riguroso y elegante palacio neoclásico, residencia histórica de los condes Tosio- se exponen las obras del colectivo Recompensa Killart, en La historia enseña, viven en un doble nivel de lectura irónica. Se trata de pequeñas esculturas de inspiración neoclásica: una Venus, un Discóbolo, un guerrero, una estela… realizadas en yeso, cerámica, resina, que con una irreverente “sonrisa pop” porta elementos de relevancia contemporánea, como una guitarra en lugar de una lavadora o las señales del trabajo de entrega de comida.

Colocadas en un diálogo sarcástico con las obras neoclásicas presentes en el palacio, típicas del mobiliario del coleccionista del siglo XIX, también hacen referencia a la problema de desbordamiento sobre el supuesto predominio del “gran arte” sobre las “artes menores”.

El Museo de Ciencias Naturales de Brescia, un edificio de los años 80, parece ofrecer una oportunidad para reflexionar sobre el mundo animal y la sociedad de consumo urbana. Aquí Giuliana Cuneaz, es El procesocomienza con una serie de imágenes de animales y paisajes fantásticos en D-Bond, también creadas con inteligencia artificial: actualizando las ilustraciones de cuentos de hadas, empezando por el Cuentos de hadas del siglo XIX inglés, hasta la ciencia ficción, hasta los superhéroes- cuestiona el futuro animal en el Antropoceno. También surge el tema crítico de la “producibilidad” de la obra de arte (debido a las infinitas combinaciones disponibles con la IA) que supera la cuestión histórica de su “reproducibilidad”. El proceso real es una instalación interactiva., donde los animales, o taxidermias del museo, están en columna y “señalan” la posición donde se sienta el espectador, como si se acercara al Arca para entrar y sobrevivir. Como pidiendo cuentas de su comportamiento, los animales miran fijamente al humano que es filmado con ellos y encuentran su respuesta en los vídeos que proyectan la escena desde múltiples ángulos.

Desde Brescia el recorrido se dirige a las colinas de Valtenesi, en la exuberante campiña desde la que se divisa el lago, en lugares históricos, en un entorno propicio a la búsqueda de acentos espirituales.

En la sorprendente y escondida iglesia del Cementerio Histórico de San Felice del Benaco, en la exposición El peso de las estrellas., Marco Pellizzola lugares “mapas estelares” y conjunciones astronómicas, colgados en tinas y bandejas de referencia antigua, que se encuentran debajo con una especie de inversión en comparación con el paraíso de los Santos de los frescos alrededor, arriba, como si las figuras sagradas estuvieran al mismo tiempo sus generadores y generaron: recuerdos vivificados de la relación naturaleza-cielo-hombre.

Al aire libre, en el parque del castillo de Moniga, con Descanso, Fabio Raquel crea una secuencia de obras multimateriales – en las que los elementos naturales del campo, tallos, ramas, juncos, zarzas guían las composiciones – que se colocan en una sucesión creciente en antiperspectiva: desde montones en gavillas hasta fragmentos de cabañas que experimentan lo orgánico. decadencia, hasta transformarse en marcos vegetales que enmarcan el panorama abierto del lago, como evidencia de una escenografía ritual primitiva.

Esta progresión poética llega a la Fundación Leonesa, en un encantador edificio señorial escondido en el centro histórico de Puegnago del Garda, que alberga un centro cultural muy activo. Aquí en Cielo zero, Michele Zaza expone principalmente obras fotográficas: estudios iconográficos, escenografías de diseño, donde el rostro humano, los cuerpos, las manos también se transforman pintándolos (en la realidad) hasta convertirse en máscaras que trascienden la vida cotidiana. Se convierten así en símbolos de la condición humana, investigados en referencia a ritos antiguos, casi chamánicos, en una relación onírica con la naturaleza que da lugar a instalaciones. específico del sitio: paredes tachonadas de alas que parecen alzar el vuelo y son detenidas por el propio material y por misteriosos signos geométricos.

En la Fundación, simultáneamente con Mecánica del asombroson dos exposiciones que, si bien no forman parte estrictamente de la exposición, sí que están unidas al hilo conductor por cuestiones temáticas. Miriam Heiler, en ¿Cuánto dura la eternidad?, propone obras donde la iteración sutil y matizada de signos – referencias a la naturaleza y las raíces de la cultura de sus montañas – genera composiciones en diálogo con el espacio del lienzo y por tanto con el entorno de las habitaciones que alguna vez fueron utilizadas como bodega y almacenamiento de herramientas. agrícola. Son signos alfabéticos hechos de trazos como agujas de pino, casi principios de runas que se desvanecen en colores delicados, como bandadas de pájaros en el cielo, pero también alusiones a graffitis rupestres, recuerdos ancestrales y al mismo tiempo infantiles.

En armonía no ocasional con el hilo conductor, Darío Bellini, estafa Manglaresmuestra pinturas esenciales pero vivaces que estudian el entrelazamiento y la insinuación en la tierra de las raíces de los manglares que luego formarán islas enteras de robustez vital.

Las raíces, en su simbolismo de conexión e interpenetración con la tierra, se convierten en una metáfora existencial y también psíquica, al tiempo que son grafías a la vez lineales pero sólidas en espesor, con fascinantes acordes cromáticos.