Tenía que suceder. Por otra parte, siempre llega a todo transformista el momento en el que es necesario quitarse los disfraces y las máscaras y presentarse desnudo ante el público, esencia detrás del artificio. No es que lleguemos a extremos similares, pero después de una década dedicada a elaborar concepto Cada vez más compleja, Annie Clark se deshace de todo disfraz y vuelve a ser ella misma. ¿Qué quiere decir esto? Volviendo definitivamente al grito creativo, a la fuerza primordial de una composición oblicua pero irresistible, la que en “Marry Me” reveló de inmediato todo el carácter de uno de los principales intérpretes de los últimos veinte años del indie americano. Por primera vez a cargo de la producción de una de sus obras, con “All Born Screaming” la música rompe los estrechos vínculos estéticos de sus últimas pruebas y redescubre el poder ardiente de la libertad, dejándolo a la emoción, a la fuerza de su experiencias, para prevalecer sobre cualquier otro aspecto. Es un soplo de aire fresco muy esperado, aunque respirado con bastante dolor.
En medio del negro más profundo, San Vicente arde, presa de las llamas que devoran sus brazos: no podría haber una imagen más adecuada, una representación más icónica de una obra sin duda casual, marcada sin embargo por un aura mortal, por una sensación de amenaza inminente lista para golpear cada canción. Por tanto, no es casualidad que “Hell Is Near” sea la invitación, el paso obligado para adentrarse en el nuevo universo diseñado por Annie Clark. Con un corte melódico que parece partir de la estela de Enya, el músico dispersa rápidamente el flujo seráfico en un baño de arrepentimiento y amargura, materializándose la pérdida en un jarrón de caléndulas. Con una estructura escalonada, dominada primero por el bajo y un byrdsiano de doce cuerdas, luego por los sintetizadores y el piano, la canción obliga a la pluma de Clark hacia una dirección de abandono desolado, una sinceridad trágica que el posterior “Reckless” ofrece en dosis doble. Inicialmente concebida como una marcha fúnebre, un réquiem conmovedor impregnado de recuerdos, la canción estalla en una coda sintética enojada, furia cenagoso lo que denota la más total confusión.
Un dinamismo similar, ya sea dentro o entre canciones, flota a lo largo de toda la experiencia auditiva; En un disco que finalmente explota la experiencia de la guitarra de Clark como no había sucedido desde los días de “Strange Mercy”, el efecto es el de una montaña rusa en las profundidades del problema, suavizado sin embargo por una compasión alentadora. Sensual al principio, rebelde en su evolución, “Broken Man” aprovecha la pericia de Dave Grohl en la batería (también aparece en la siguiente “Flea”, el amor visto como una infección inevitable) y provoca una descarga de adrenalina con tintes industriales. un homenaje personal al rock de los 90, lo suficientemente vulnerable como para romper la cáscara correosa del arreglo. El ritmo funky de “Big Time Nothing”, desarrollado sobre una base que recuerda a “Army Of Me” de Björk, fusiona la experiencia con David Byrne en un prisma esquizoide y atrapante (¿alguien dijo Feto?), capaz de escupir todos los alienación trágica del individuo contemporáneo. El hecho de que sea tan hipnótica al desgranar las prohibiciones como si fueran los Diez Mandamientos sólo habla a su favor.
Y ciertamente no termina aquí. “Violent Times” explota el famoso motivo bondiano de “Goldfinger” canalizándolo en un estrecho canal mecánico; Si bien Clark abunda en gestos vocales, descubre su Shirley Bassey interior jugando con la ola de un drama que parece aumentar y aumentar. Es sólo el aperitivo de una cara B que reflexiona sobre muertes reales (la desafortunada dedicatoria a SOPHIE en “Sweetest Fruit”, ya motivo de polémicas y acusaciones por parte de los fans más ávidos de la productor) y posibles apocalipsis (el terror subterráneo de “The Power’s Out”) sin parsimonia emocional, al borde de un abismo del que resulta imposible escapar.
Más allá del inexplicable telón reggae de “So Many Planets”, única nota verdaderamente discordante de la colección, tiene mucho sentido que el cierre corra a cargo del pista principal. En compañía de Cate Le Bon, que aquí también actúa como bajista, reitera la estructura bipartita del infierno introductorio y cierra el círculo con un ostinato coral que interrumpe abruptamente la atmósfera de onda jovial inicial. Como si el grito fuera una condena y un consuelo al mismo tiempo, San Vicente cierra su último proyecto sin soluciones reales, demostrando sin embargo que debajo del vestuario late un corazón que no teme presentarse en toda su complicada humanidad. Puede que eso sea suficiente.
01/05/2024
