Cuando Michelangelo Antonioni era todavía un joven crítico de cine y también un director en ciernes, se ocupaba de sus primeros cortometrajes -estamos hablando de los años comprendidos entre 1940 y 1947- en el “Corriere Padano”, sostenía con convicción que el principal problema del cine fue el del color. La más urgente, porque está destinada a devolver al cine, con su advenimiento, su dignidad artística, a enriquecerlo como medio de expresión, dándole un mayor sentido de adhesión a la realidad.
cuaderno de ejercicios el desierto rojo
El director de Ferrara se lanza a una irónica invectiva imaginaria dirigida a Samuel Goldwyn, el gran productor de Hollywood, proclamándose “colorista” y rogándole que le deje hacer una película, sin saber que el color no vendría de América, sino de Europa. , idealmente llamado a asumir la tarea de teorizar una estética cinematográfica desde cero. Desde este punto de vista, lo que Antonioni logró posteriormente con su primer trabajo en color, es decir el desierto rojo en 1964, con una memorable Monica Vitti, realmente parece un acto estilístico fundacional, como si como cineasta hubiera logrado literalmente dar sustancia a las intuiciones visionarias del joven teórico que vivía dentro de él.
Palma de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Cannes de 1967
Hoy, sesenta años después del estreno de la película, presentada en el Festival de Venecia y donde obtuvo sin lugar a dudas el León de Oro, sigue siendo innegable el significado revolucionario y experimental de aquellas imágenes que, además, abordan temas muy lejanos. de su tiempo, como la ecología, filtrados a través de una poderosa lente autorreflexiva capaz de incluir el medio ambiente, la enfermedad mental y el color en una única arquitectura sinestésica. Sus obras han influido en generaciones de cineastas y el desierto rojo es sólo uno de los muchos cruces importantes de su existencia, pero su vida no sólo se compone de imágenes en movimiento, sino también de objetos, muchos objetos.
El nuevo Espacio Antonioni de Ferrara
Y entonces tal vez surgió la necesidad de un museo para recogerlos, que, por absurdo que fuera, no había existido hasta hoy. Su ciudad natal se encargó de ello. El proyecto, comisariado por Dominique Païni, exdirector del Cinemateca Francesa, nació gracias al compromiso del Ayuntamiento de Ferrara y de la Fundación Ferrara Arte, con la colaboración de Vittorio Sgarbi y la esposa del director, Enrica Fico Antonioni. El objetivo era crear un museo vivo, un lugar de educación y descubrimiento, donde explorar evidencia del trabajo de Antonioni y sus conexiones con otros artistas e intelectuales.
Miguel Ángel Antonioni en el rodaje de Explotar
El Espacio Antonioni, como se llama, alberga una selección del extraordinario archivo de más de 47 mil piezas, donadas por el director y su esposa al Municipio. El archivo incluye películas, carteles, guiones, fotografías, dibujos, pinturas, libros, discos, premios y una rica colección de cartas de figuras culturales como Roland Barthes, Umberto Eco, Federico Fellini y Andrej Tarkovsky. Este tesoro, enriquecido por la proyección de secuencias de las películas del director, cuenta también con el apoyo de un comité de honor que incluye a personalidades como Gian Luca Farinelli, Thierry Frémaux, Wim Wenders, Alfonso Cuarón, Jonas Carpignano, Walter Salles, Irène Jacob, Sophie Marceau y Giorgio Tinazzi.
El nuevo Espacio Antonioni de Ferrara
Diseñado por el estudio Alvisi Kirimoto rediseñando las dos plantas del antiguo Pabellón de Arte Contemporáneo del Palazzo Massari en el centro de la ciudad, el museo presenta un itinerario expositivo que recuerda ciertos planos secuencia del director, con partituras verticales monolíticas que marcan los distintos cruces de la narrativa. Como una especie de laberinto controlado que impone direcciones a seguir. Las salas inmersivas dedicadas a las películas del director culminan en un clímax cromático en escala de grises, que evoca las atmósferas de sus primeras películas. En el primer piso, una sala versátil permite modular el espacio según las diferentes necesidades expositivas.
El nuevo Espacio Antonioni en Ferrara
Y siguiendo este camino dictado por la exposición, se van desvelando las estaciones de su cine, repartidas a lo largo de la segunda mitad del siglo XX: desde los inicios neorrealistas hasta la superación de esa fase con las películas protagonizadas por Lucia Bosè, hasta la “trilogía de la modernidad” que lo vincula a Monica Vitti con los títulos icónicos de La aventura, El eclipse, Y La nochepara luego llegar al advenimiento del color en el mencionado el desierto rojoy luego a la conquista de Occidente con películas angloamericanas que presencian la explosión de la cultura pop y hippie como ciertamente lo son. Explotar Y Zabriskie Puntoasí como la fuga africana hacia Profesión: reporteropara concluir con “el regreso a Italia” y las obras que recuperan la conexión con las raíces.
Un capítulo aparte está reservado a la producción pictórica del director y a los espectaculares paisajes oníricos de las Montañas Encantadas. Por último, un gran espacio polivalente está dedicado a reseñas, encuentros y exposiciones en un espíritu de diálogo entre las artes. El primero de ellos, específicamente relativo a las artes figurativas, ya está presente en la exposición: un atrevido diálogo entre Giorgio Morandi, Cy Twombly y el propio Antonioni, titulado Fuera de focouna exposición que pretende poner en valor la diferente traducción artística del canon naturalista propuesto por los tres, aunque expresado con distintos matices y cada uno con una visión muy personal.
Fuera de focoun diálogo entre las obras de Giorgio Morandi, Cy Twombly y el propio Antonioni
Se reúnen obras aparentemente lejanas en estilo e iconografía que, por el contrario, en su razón de ser, se aproximan muchísimo a la visión poética del cineasta. Las pinturas de Morandi y las fotografías de “naturaleza” de Twombly, combinadas con los materiales de archivo expuestos en el museo y el legado conceptual del director de Ferrara, subrayan la exploración innovadora de los dispositivos de visión llevada a cabo por los tres artistas. La exposición nos permite así redescubrir el lado más íntimo de su investigación a la luz tanto de la tradición histórica que caracteriza los géneros como del nuevo sentimiento de su tiempo, que se manifiesta en un alfabeto mínimo, un lenguaje sólo aparentemente simple. y que por el contrario expresa la esencia de la realidad.
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