Se muestra el arte blanco y eurocéntrico de un imperio en su apogeo y luego el “otro” arte que, desde una institución cuyo nacimiento fue consecuencia directa de las políticas coloniales, casi ha seguido una especie de recorrido paralelo, pasando del márgenes de anonimato a un protagonismo creciente que utilizó, abrazó y desafió los cánones imperiales.
Dicho así, parecería una exposición de “gente blanca”, por un lado, fechada en sus retratos alargados, en sus paisajes idealizados, en esas escenas de género de una contemporaneidad que nos recuerda, en 2024, las imágenes de la historia. libros y luego de los “negros” del nuevo milenio, ágiles y directos en sus muy recientes trabajos multimedia, que exigen el reconocimiento que merecen y han ignorado durante demasiado tiempo. Y, sin embargo, hay más que una simple yuxtaposición entre lo viejo que dominó y lo nuevo que sufrió –y luego se rebeló– en esta última y espectacular narrativa de la Real Academia. De hecho, si se hace una comparación entre lo viejo y lo nuevo, de la que se desprende que -en los años dorados de la expansión colonial en Occidente (de ahí el filantropismo y el nacimiento de academias como la RA.)- el arte era una forma de colonización y fueron pocos los artistas negros que lograron convertirse en hombres libres (algunos más fueron modelos), también es cierto que de los 50 artistas expuestos todos son Académicos Reales o en todo caso vinculados a la institución. Personas que han vivido y hecho arte enfrentando las realidades del poder. es el corazón deenredo que, ahora como entonces, el arte registra y por tanto denuncia, sustituyendo la violencia del conflicto por la fuerza del diálogo.
Entrando, la primera sala está enteramente dedicada a los retratos de hombres negros, realizados entre finales del siglo XVIII y principios del XIX y procedentes de colecciones norteamericanas. En el centro el medio busto en piedra oscura: Busto de un hombre, 1758 por Francis Harwood (1727-1783).
Sabemos que el artista era británico de nacimiento, florentino de adopción y que se había hecho un nombre entre los habituales del grand tour a los que vendía esculturas inspiradas en modelos antiguos, como busto de un hombre. Sin embargo, del hombre esculpido no queda nada. Quién era, qué hacía, si era cliente o modelo: son preguntas sin respuesta. Ni siquiera el lienzo cercano: Retrato de un hombre. Probablemente Francis Barber, 1770, sabemos más de lo que leemos en el pie de foto, aunque el intérprete aquí es el famoso Joshua Reynolds (1723-1792), miembro fundador de la Real Academia.
Ciertamente, Reynolds devuelve a su modelo de identidad opaca una estatura que no necesita presentación: la pose central sobre el fondo romántico y ventoso; el cuello blanco de un erudito, una bata incompleta. Pero la mirada de Francisco está en otra parte. ¿Quizás dirigido a África? ¿Recuerda la travesía del Atlántico, que para muchos “anónimos” como él fue el primer punto a partir del cual la vida, si no terminó, cambió de todos modos? Casi parece así de genérico”hombre” o probable Francisco, lleva consigo una verdad demasiado profunda para dejar espacio a una mirada directa entre hombre y hombre. Entre él, Reynolds y nosotros.
Más adelante, otro gran retrato de Reynolds da una clave para entender aquellos años ambiciosos y problemáticos. En Retrato de Jorge, Príncipe de Gales, más tarde Rey Jorge IVEn octubre de 1787, el futuro rey está representado canónicamente con su prestigio imperialista, simbolizado no sólo por la columna romana del fondo, sino también por la presencia de sirvientes exóticos. En concreto, un chico negro cuyo nombre no sólo no sabemos, sino que sólo podemos adivinar por su rostro joven, su perfil suave, la rapidez con la que ajusta la faja del príncipe pavoneándose, agobiado por los numerosos aparatos del orden de la liga. El manto de terciopelo con la cruz roja, una pesada cadena de oro, la liga en la pantorrilla y, finalmente, el sombrero de plumas que el regente no lleva, sino que está recogido por el pelo espumoso de un rosa flamenco. En el sistema monárquico los sirvientes tenían (y tienen) su elegancia jerárquica y no mucha gente venía a servir al rey. Pero tal vez haya una razón por la cual este joven hombre había obtenido tal privilegio. En 1787 acababan de terminar las guerras de independencia americana. En las colonias, las revueltas de los abolicionistas se vieron reforzadas por el resultado obtenido y es posible que, en el Reino, las concesiones a las poblaciones que emigraron de las colonias fueran una forma de calmar las aguas.
Watson y el tiburón1778, frente al rey Jorge, es otra referencia a una contemporaneidad definida por relaciones turbulentas con los territorios del otro lado del océano.
El cliente de la obra, Brook Watson, un bostoniano de origen pero naturalizado inglés, había sobrevivido a un ataque de tiburón en su juventud. El episodio, idealizado por el artista John Copley (1838-1815, como Watson, estadounidense de origen, pero luego emigró a Inglaterra) causó sensación cuando fue expuesto en la exposición anual de la Royal Academy en 1778. El incidente marino escenificó los peligros del comercio atlántico, presentando al público de élite de la academia un acontecimiento informativo en el que la sólida presencia del marinero negro que tiende la mano a Watson en un gesto simbólico y dramático de elevación, podría leerse como una referencia. a la necesidad de mantener “buenas” relaciones con las poblaciones colonizadas. Armada, 2017-2019 de Hew Locke ocupa la zona central de la sala.
La instalación reúne modelos de barcos que Locke ha coleccionado durante años. El velero Mayflower, el mercante The Bounty, cruceros como el Windrush y barcos piratas. Algunos barcos son nuevos, otros comprados y otros ensamblados por Locke a partir de objetos desechados. “Es una colección de fantasmas del pasado y realidades de hoy que navegan juntos”, explica el artista. ¿Esos fantasmas imperiales amos de los mares? ¿Nuestros barcos maltratados y sobrecargados que transportan inmigrantes?
El colonialismo con sus imposiciones culturales y territoriales afecta los paisajes de William Hodges (1744-1797). Miradas que conceptualmente, en términos de composiciones, distribución de la luz, despersonalización de figuras lejanas y muy pequeñas, no se distancian en absoluto del género desde Claude Lorrain hasta John Constable (un contemporáneo de Hodges). Pero Tahití y Benarés (actual Varanasi) son los lugares pintados al estilo europeo y que deliberadamente omiten del espacio pictórico las atrocidades cometidas para domesticar las tierras conquistadas, presentadas como paraísos de ocio y sensualidad. Contrastan estas visiones de lugares agradables Materias Primitivas, Chozas2010 y Mujer subiendo2023. La primera obra de Karen McLean (criada en Trinidad) es una instalación compuesta por 7 cabañas (cabañas) hechas de madera y metal, colocadas frente a proyecciones en blanco y negro de 7 magníficas casas coloniales en Puerto España. Villas de una opulencia alienante, pertenecientes a líderes de órdenes religiosas occidentales, propietarios de plantaciones y empresarios, que se imponen a la pequeña y pobre arquitectura vernácula, poniendo en marcha una serie de cuestiones abiertas, incluso de carácter ecológico. Mujer subiendo de Ynka Shonibare, una artista británica de origen nigeriano, ha estado explorando la naturaleza transcontinental, transcultural, translingüística y transartística de identidades híbridas como la suya durante décadas.
Mujer subiendo es una mujer, con una cabeza en forma de globo, un físico sano y sólido, vestida con ropas batik de fabricación occidental de principios del siglo XX, que sube una lujosa escalera de mármol con barandillas de latón. Su espalda está doblada. ¿Por el peso de las maletas entreabiertas de las que se derraman “cosas” laboriosamente compradas? ¿Desde la propia subida metafórica y real? Hay una determinación poderosa y digna de humildad en esta figura que parece sufrir la tensión de todas las situaciones desventajosas. El mundo da vueltas en su cabeza, literalmente. Sus maletas y ropa la identifican al instante: es una migrante que busca fortuna en un Occidente que se nutre del lujo acumulado gracias a la explotación de quienes tienen que trabajar, emigrar y subir esas escaleras. ¿Qué le queda? Simplemente persiste, un paso tras otro, con el mundo encima de ti; al igual que los 6 millones de afroamericanos que cambiaron Occidente entre 1917 y 1960 desde el sur de los Estados Unidos.
El tema del viaje cierra la exposición en una inmersión simbólica en el agua, vista como una dimensión que preserva nuestro pasado, devolviéndonoslo en su perenne movimiento. En las paredes hay paisajes marinos de William Turner (1775-1851).
Balleneros, 1845 (balleneros), es una glorificación de la aterradora utopía acuática y la destreza tecnológica de la Inglaterra industrial, gobernante del comercio marítimo. Los paisajes de Turner dejaron perplejos al público de la Royal Academy, confundido por la modernidad que unía figuración y abstracción, por la esencialidad del mensaje, por la fluidez en el uso del color y la universalidad de un enfoque creativo por encima y fuera del canon. Caídas de ballenas, 2017 (una ballena que cae), enfrente, de Gallagher, dialoga con Turner.
La autora afroamericana, británica y europea no sólo se declara en deuda con la inspiración de Turner, sino que también lleva adelante su ambición de capturar la vida acuática. En Ballena cae, una obra muy delicada, sobre papel, desciende al fondo marino junto con las ballenas representadas por recortes negros aplicados sobre el fondo en tonos azules. Un descenso a los orígenes que, a raíz de un fenómeno natural -los cadáveres de ballenas moribundas caen al fondo del mar, donde se convierten en alimento para las criaturas submarinas, alimentándolas durante años- se refiere a la Medio pasaje. Esa ruta triangular entre África, Norteamérica y Gran Bretaña en la que muchos perdieron la vida cayendo al fondo del Atlántico como ballenas.
Los sonidos del mar por Mar de Vértigo, 2015 (vídeo monumental en tres pantallas de John Akomfrah), sirven de epílogo a este último apartado de la exposición, resumiendo todos los temas: el colonialismo, la esclavitud, las migraciones, la relación entre el hombre y el mar y el arte como testigo, legado y parámetro. de denuncia y belleza. Arte que renueva, regenera y cambia.
Pasados enredados, 1768-ahora, Arte, colonialismo y cambio
Real Academia | Galerías principales | Casa Burlington
3 de febrero – 28 de abril de 2024
Imagen de portada: Instalación. ‘Pasados enredados, 1768-ahora. Art, Colonialism and Change’ en la Royal Academy of Arts de Londres (3 de febrero – 28 de abril de 2024), John Akomfrah CBE RA, Vertigo Sea, 2015, cortesía de Smoking Dogs Films y Lisson Gallery. Foto © Real Academia de las Artes, Londres / David Parry. © Películas sobre perros fumadores.
