“La sublime monja del arte / transmite lo invisible / sobre los lienzos elevados / y con gestos graduados / y no menos elocuentes / que los de los profetas / retrata espacios esenciales / del espectro cromático; / almas de color-energía / banderas de creación. / Su puntería de arquero / las fija en las superficies, / líneas vacilantes, cerebrales; / armonías de la abstracción. / Las transparencias revelan / y el artista las ilumina, / y a veces las oscurece / para hacerlas invisibles / al sentido profano del realismo”.
Fue necesario un poeta amigo de mujeres como Valentino Zeichen, un adivino sensible a los tesoros del arte, para describir la esencia de la obra de Carla Accardi (1924-2014), uno de los protagonistas del arte de posguerra que durante setenta años supo innovar y transformar el lenguaje de la abstracción contemporánea, con un signo original destinado a resistir el tiempo.
Lo demuestra la magnífica retrospectiva comisariada por Daniela Lanciani y Paola Bonanni, abierta en Roma en el Palazzo delle Esposizioni hasta el 9 de junio y fuertemente apoyada por el presidente Marco Delogu en el centenario del nacimiento del pintor.. Expuestas en siete suntuosas salas, un centenar de obras procedentes del Archivo Accardi Sanfilippo, de los grandes museos nacionales e internacionales y de una serie de coleccionistas privados, nos permiten recorrer la extraordinaria aventura de esta chica de la buena burguesía de Trapani, que destinó nada para el protagonismo del ‘arte’.
Con poco más de veinte años, Carla Accardi, rostro pequeño, sonrisa deslumbrante, voluntad de acero, deja Sicilia para estudiar en Florencia. De allí se trasladó a Roma, entró en contacto con Gino Severini y un grupo de jóvenes artistas que orbitaban en el estudio de Renato Guttuso (Ugo Attardi, Piero Dorazio, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo, que se convertiría en su marido, y Giulio Turcato). ). A principios de 1947, única mujer del grupo, creó junto a ellos “Forma I, Mensual de Artes Figurativas”, lanzando a la manera de los futuristas un Manifiesto por el nuevo arte: “Nos proclamamos formalistas y marxistas, convencidos que los términos marxismo y formalismo no son irreconciliables”.
Y es una auténtica sorpresa descubrir, en la primera sala de la exposición, un rasgo singular desde el principio, con el autorretrato inspirado en el de Rafael, la Naturaleza muerta con volúmenes cubistas y la Vista sobre una pista de tenis. , expuesto aquí por primera vez, con el violento contraste entre el rojo de la tierra batida, el verde de los árboles, el azul medianoche del cielo. Luego viene el abandono de lo figurativo con la pretensión, no obstante, de asociar la función decorativa a la pintura, pero de forma revolucionaria. De hecho, es urgente valorar “la existencia objetiva de las cosas” y mejorar la vida, aunque la referencia a la realidad luego desaparezca en el caleidoscopio de astillas multicolores y formas cerradas que se expanden y se retraen “.…un magma plástico que siempre viaja al borde del cambio”, citando las palabras de Achille Bonito Oliva. Además, es la propia Accardi quien reconoce el continuo cambio de las cosas, con sus contrastes, sus miserias, sus alegrías y conflictos, como el horizonte de sentido de su obra.
“Mi objetivo es representar el impulso vital que hay en el mundo”, confiesa al estadounidense Hereward Lester Cooke, comisario de la exposición romana de 1955, y a Carla Lonzi, la crítica radical y feminista con la que comparte una dolorosa militancia.. La pintura de Accardi, como la espacialista, pretende expresar las fuerzas elementales del mundo a través de una especie de lenguaje simbólico de signos. Fue así como a los treinta años superó un período de crisis, abandonó el caballete y comenzó a experimentar con la pintura en blanco y negro, comenzando a trazar signos gráficos con pintura sobre un lienzo extendido en el suelo. Así nacieron El arquero sobre blanco, El laberinto, El asedio, obras icónicas que le valieron fama internacional gracias a Michel Tapié y Pierre Restany (también presentes con sus escritos críticos en la magnífica antología que acompaña el catálogo impreso por Quodlibet).
Pero la experimentación no cesa y el nuevo rumbo, marcado por la explosión de color, afecta a signos, símbolos e incluso materiales, como el “sicofil”, el acetato transparente vendido en rollos con el que Carla Accardi da paso a la existencia objetiva de las cosas. , revelando el fundamento de la condición femenina. Aquí está la Carpa, expuesta en 1965 en Turín y actualmente propiedad del Museo Georges Pompidou, la Carpa Triple, expuesta en 1971 en Roma, y las láminas superpuestas pintadas invirtiendo los colores, que marcan el abandono de la pintura y la desmaterialización de la pintura, para hacer coincidir la obra con un espacio habitable, a escala humana. “Una cosita que quedó ahí parada”, dirá Carla Lonzi. “Una obviedad, nacida de una simple idea”, dirá Accardi, con el aplomo de un artista consagrado que se mantiene humilde y de una mujer de Trapani que no se toma en serio a sí misma. Una hermosa lección de libertad, memorable no sólo para el arte contemporáneo.
