“Mi trabajo es absorber cosas. Y luego, todo esto vuelve a fluir. Estoy hecho de todo lo que he visto.” Así se habría expresado Henri Matisse al comentar la capilla que diseñó y decoró en Vence en Provenza. Ver, estudiar, asimilar y robar, según la conocida frase de Picasso (“Los buenos artistas copian, los genios roban”), son las pocas advertencias imprescindibles para los grandes artistas. Diego Velázquez ciertamente entra en el grupo de los grandes, o mejor aún en el pequeño panteón de genios, encarnando la figura del pintor por excelencia, el pintor oficial de la corte y el de la realidad, el retratista y teórico de la pintura, entre los pocos capaces. de hablar del medio de la pintura y su estatus no con tratados escritos sino a través de su propia pintura, como hizo Hitchcock con el cine. Y Velázquez fue ciertamente un ladrón como Picasso, habiendo robado con su mirada al menos siglo y medio de pintura italiana. Durante sus dos largas estancias en Italia, la primera en 1629 y la segunda en 1649, el pintor andaluz se nutrió del gran arte de los siglos XVI y XVII.. Es probable, sin embargo, que algún eco de la pintura italiana hubiera llegado a Diego ya en la Sevilla árabe, a través de copias, grabados o visiones de segunda mano. Pase lo que pase, está muy claro que las primeras obras de Velázquez son exquisitamente caravaggescas.
“Mi trabajo es absorber cosas. Y luego, todo esto vuelve a fluir. Estoy hecho de todo lo que he visto.” Así se habría expresado Henri Matisse al comentar la capilla que diseñó y decoró en Vence en Provenza. Ver, estudiar, asimilar y robar, según la conocida frase de Picasso (“Los buenos artistas copian, los genios roban”), son las pocas advertencias imprescindibles para los grandes artistas. Diego Velázquez ciertamente entra en el grupo de los grandes, o mejor aún en el pequeño panteón de genios, encarnando la figura del pintor por excelencia, el pintor oficial de la corte y el de la realidad, el retratista y teórico de la pintura, entre los pocos capaces. de hablar del medio de la pintura y su estatus no con tratados escritos sino a través de su propia pintura, como hizo Hitchcock con el cine. Y Velázquez fue ciertamente un ladrón como Picasso, habiendo robado con su mirada al menos siglo y medio de pintura italiana. Durante sus dos largas estancias en Italia, la primera en 1629 y la segunda en 1649, el pintor andaluz se nutrió del gran arte de los siglos XVI y XVII.. Es probable, sin embargo, que algún eco de la pintura italiana hubiera llegado a Diego ya en la Sevilla árabe, a través de copias, grabados o visiones de segunda mano. Pase lo que pase, está muy claro que las primeras obras de Velázquez son exquisitamente caravaggescas.
Se trata, por tanto, de una rara y preciosa oportunidad que se presenta ahora en la Galería Borghese, donde una de las primeras obras del genio español se encuentra junto a algunas obras del genio lombardo.. Un encuentro que tiene lugar bajo los auspicios ebrios de figuras danzantes silénicas, en la octava sala del cofre del tesoro de Scipione Borghese, la Sala del Sileno (que sin duda habría divertido a los dos artistas que retrataron a Baco de diferentes formas). El cuadro de Velázquez, “Mujer en la cocina con cena en Emaús”, de la Galería Nacional de Irlanda en Dublín, se encuadra en el género del bodegón, un género pictórico típicamente español que retrata a personas de las condiciones sociales más pobres. Ya fueran jóvenes y viejos sirvientes en la cocina o alegres borrachos en sucias posadas, la atención principal en este tipo de producción siempre estuvo dedicada a alimentos y objetos, tan humildes como un huevo, una cebolla y una olla, pero tocados por la gracia divina. manifestado en luz. Y esto es exactamente lo que sucede en el cuadro cedido a la Galería Borghese, donde una joven criada acaba de terminar de limpiar una cocina, dejando secar las jarras y ollas sobre la mesa, tan animada como el único miserable organismo vivo sobre la mesa. la pequeña cabeza de ajo junto al mortero brillante. La joven está soñadora, parece haber percibido lo que sucede más allá de la ventana de servicio, donde otra mesa está habitada por figuras humeantes que ya parecen de Magnasco, en la que reconocemos el episodio evangélico de la Cena de Emaús.. Esta obra se ha relacionado con un pasaje de la mística Teresa de Ávila, que decía a sus hermanas monjas: “Hijas mías, no os desaniméis si la obediencia os lleva a ocuparos de las cosas exteriores, sabed que hasta en la cocina podéis encontrar el Señor, y entre las ollas él te ayuda en las cosas internas y externas.” Por tanto, no hay nada inerte en éste y en otros bodegones de Velázquez, como tampoco hay inercia en las naturalezas muertas de Caravaggio.
El “Niño con una cesta de frutas” y el “Bachino enfermo”, ambas entre las primeras obras conocidas de Merisi y en la colección Borghese desde principios del siglo XVII, hablan por tanto el mismo lenguaje que el cuadro expuesto, estableciendo un diálogo de gran intimidad y sugerencia. Por un lado, los dos niños romanos tetonas y por el otro, la joven criada temerosa, los tres parecen ofrecernos naturalezas muertas que adquieren significados espirituales. En los frutos maduros y en los que empiezan a marchitarse, tanto en la hoja reseca como en la verde, se pueden leer significados alegóricos y morales, vinculados a la fugacidad de la belleza pero también posibles referencias al Novio de la Canción. de los Cantares y a Cristo como Amor en el acto de mostrar los frutos del pecado y los de la redención. Como los inicios de Caravaggio, los del joven español también fueron los más prometedores, “luego la Corte lastró las alas de Velázquez obligándole a esos interminables retratos de príncipes degenerados”, escribió Guido Ceronetti. Pero afortunadamente, o para Grace, “el filósofo desconocido” todavía escribe: “Tres veces intervino el destino para explicárselas, en la huida hacia lo Alto: Breda, Meninas, Hilanderas”.
Hasta el 23 de junio, quienes se acerquen a la Galería Borghese tendrán el privilegio de comprender algo más. Comprenderá el alcance revolucionario de la pintura de Caravaggio y podrá comprender más profundamente las infinitas contaminaciones y chispas de pensamiento que emanan de las obras de arte a lo largo del tiempo. Nadie inventó nada, incluso los más grandes están imbuidos de la vida y las huellas de quienes los precedieron. Somos enanos sobre hombros de gigantes..
