Yorgos Lanthimos vuelve a su “camino”, tras el desvío pop de ¡Pobres criaturas! (El fabuloso mundo de Amélie de esta época, sea cual sea) el director griego ofrece al público un objeto torcido, repelente pero magnético, difícil de manejar. Con tipos de bondad (en cines desde el pasado 6 de junio), el director griego – manteniendo el dinero de una producción internacional (Film4 y Searchlight Pictures, que significa Disney) y con un reparto de estrellas ya fieles – vuelve a los fundamentos del cine irreverente que hizo un autor (recordemos que los autores como tales siempre hacen la misma película, siempre escriben el mismo libro…). Durante el montaje de la anterior ¡Pobres criaturas! Lanthimos se puso a trabajar en el desarrollo y la concentración con su guionista de confianza, Efthymis Filippou (Colmillo, Alpes, La langosta), algunas historias antiguas y nuevas, creadas en poco tiempo. tipos de bondad, una película episódica protagonizada una vez más por Emma Stone, Willem Dafoe y Margaret Qualley. Posteriormente se sumaron al reparto Jesse Plemons (premiado en Cannes por su triple interpretación) y Hong Chau. Los actores interpretan personajes diferentes en cada historia, aparentemente sin relación entre sí, pero un personaje anónimo, identificado sólo por sus iniciales, RMF (Yorgos Stefanakos), actúa como un hilo conductor silencioso.
Digresión histórica. El Nuevo Cine Griego, desde 2009 en adelante -atravesando (a su pesar) aquella crisis que llevó al país a la quiebra- se ha caracterizado por un puñado de autores y productores que han sabido dar forma (e imágenes) a sentimientos inquietantes y una nueva realidad, alienante y desoladora. En sus inicios Lanthimos fue la figura más destacada de este nuevo cine, nacido en tiempos de crisis negra, con producciones de presupuesto cero. La soledad se convierte en una dimensión central, para ser observada, analizada y conquistada (quizás), la opresión es la nueva regla dominante en un mundo que ya no ha conocido reglas. La puesta en escena se caracteriza por puestas en escena de una austeridad sin adornos, con estallidos de violencia sutilmente macabra, nunca sangrienta, pero siempre extremadamente cruel, mordaz e implacablemente sádica: desgarradora. Attenberg por Athina Tsangari (2010), Juventud perdida por Argyris Papadimitropoulos (2011), Londres por Michalis Konstantatos (2013), Señorita violencia por Alexandros Avranas (2013), Interrupción por Yorgos Zois (2016), miserere de Babis Makridis (2018): son películas frías, minimalistas y mudas, con protagonistas muchas veces anónimos, sólo papeles.
Lanthimos, el más brillante, se hizo voz en la desolación industrial y urbana, dando forma a una disidencia cultural que devolvió la atención de la crítica al cine griego después de largos años de vacío. Grecia ha vuelto así a mostrarse como un laboratorio repleto de cultura sentimental y sexual que se enfrenta al abismo con una mezcla de angustia y apatía. Para hablar de su cine se han puesto en duda paralelismos y comparaciones con Kubrick, Cronenberg, Haneke y Tarkovsky: todos tienen algo que ver y nadie tiene nada que ver. Si quisiéramos, en cambio, podríamos mencionar a Pasolini y Roy Andersson (pero no lo haremos). Como escribe Giulio Sangiorgio en la introducción de Anestesia de soledades, la primera monografía italiana dedicada al director griego (firmada por Roberto Lasagna, Benedetta Pallavidino, publicada por Mimesis), «Lanthimos, gracias a su marcado estilo y su provocadora Weltanschauung, ha logrado consolidarse como una marca: es decir, la última forma residual de autoría (ver el caso de Nicolas Winding Refn y su NWR, una marca real). Cómo se copió una marca (la nueva ola del cine griego depende sobre todo de su éxito, como si el film à la Lanthimos fuera un género en sí mismo, hecho de geometrías claras, mirada cínica, realismo paradójico, a un paso de lo surrealista). ) ».
Lanthimos, saltando de festival en festival, atrajo primero la atención de la crítica y del público cinéfilo, hasta desembarcar también en los Oscar y en un público más generalizado, gracias sobre todo al León de Oro por ¡Pobres criaturas! (2023), una fábula excéntrica y grotesca -de estructura barroca y narración didáctica- que el público apreció, acogiéndola inconscientemente como la alternativa a Barbie para los que leen a Bolaño. Una película, ¡Pobres criaturas!, que sin embargo puso distancia entre Lanthimos y él mismo, entre el director que conocía hasta entonces y la película que lo hizo muy famoso. Aunque durante el transcurso de su parábola internacional hubo una dilución gradual de su escalofriante crueldad, incluso bajo el pomposo envoltorio “disfrazado” de Favorito su mirada era claramente legible. tipos de bondad es una película dirigida con esa misma mirada suspendida el tiempo suficiente para tener éxito, se configura a la vez como un regreso a los orígenes y como una historia antológica en la que Lanthimos retoma los temas y formas que lo han convertido en una marca de cine independiente. cine: «Cada historia sigue acontecimientos diferentes, pero parecen tener lugar en el mismo universo. Cada historia tiene una atmósfera familiar que gira principalmente en torno al extraño comportamiento de los personajes”, dijo Ed Guiney, uno de los productores internacionales del director. En el primer episodio asistimos a la revelación de un amor masoquista hecho de órdenes, recompensas y pruebas. En el segundo, el más misterioso, chocamos con nuestra percepción del otro (y de su doble), en un retrato de una pareja entre identidad y alteridad donde regresa el tema del sacrificio y la fe. En el último, el más complejo y menos árido (y por tanto también el menos exitoso), seguimos la búsqueda de una mujer milagrosa predestinada por dos miembros de una secta, con – obviamente – un complejo sistema de mandamientos a respetar y símbolos. abrazar.
Gran parte del trabajo del director griego investiga las formas en que las personas viven siguiendo reglas específicas, dictadas por la sociedad o por otras personas (que encarnan arquetipos y dinámicas estructurales de la sociedad); En el centro, fertilizante que da impulso a la narrativa, siempre está la naturaleza de las relaciones de poder que identifican el poder y sus distorsiones, sus límites. Estos temas, con la ayuda del humor negro y grotesco, son llevados en direcciones absurdas: para Lanthimos, la opresión es un rito social con reglas precisas y crueles, el lenguaje es un medio de manipulación y distorsión, la violencia es siempre primero psicológica, luego física, en sus resultados más extremos y crueles. Los cuerpos de los demás están en el centro de una obsesión, la del control. Por tanto, el director no podía dejar de aterrizar, tarde o temprano, en los espacios mentales de una secta, dimensión que acoge todas las matrices de su poética, que son por naturaleza ontológicas. En tipos de bondad asistimos a un juego de persecuciones: fe y ausencia de fe, amor y ausencia de amor, es una narrativa formada por espacios llenos y vacíos, en busca de un equilibrio moral que parece imposible de alcanzar. Hay una tensión continua entre el deseo de ser amado, aceptado, de sentirse parte de algo (una familia, una pareja, una secta) y el deseo de ser libre, solo, emancipado de las dinámicas de poder. Sin embargo, el agobio parece funcionar como una manta cálida y tranquilizadora, cómoda, imposible de abandonar.
Incluso la banda sonora de la película, firmada por el compositor Jerskin Fendrix (que vuelve a trabajar con Yorgos después ¡Pobres criaturas!), se mueve entre llenos y vacíos, habitando los sentimientos de los personajes y la (insalvable) distancia entre ellos, puntuando los episodios con coros inquietantes, solemnes y oscuros, y notas de piano asépticas y estridentes. Nueva Orleans, una ciudad no-ciudad que se convierte en una incubadora de no-lugares (el hospital, el motel, la comisaría, la piscina), actúa como un teatro al otorgar sus espacios liminales en los que resuena el vacío de la alienación, como manifestaciones asépticas de prisiones mentales (¿trastiendas?). Yorgos vuelve así a moverse con frialdad y macabro sentido del ridículo, dentro y fuera del valle inquietante donde lo verosímil y lo absurdo, lo familiar y lo inexplicable se superponen, insinuándose unos en otros hasta el punto de hacer imposible distinguir sus contornos, sus límites. El público que lo conoció el favorito Y ¡Pobres criaturas! se encontrarán ante un producto particularmente difícil (lo que conducirá a una fuga secreta de la sala), pero el cine que desafía al espectador es un cine que demuestra estar todavía vivo, vigorizante.
