Esta vez el humano es el extraño. Ocurre en Punta della Dogana, Venecia, en los espacios de la Fundación Pinault. Al observar en un acuario al cangrejo ermitaño que vive como una concha en una copia de “La musa durmiente” de Constantin Brancusi, uno piensa en Fleba la fenicia, la marinera protagonista de “Muerte en el agua” de TS Eliot, “que tiene olvidados el grito de las gaviotas y la resaca de las profundidades del mar y las pérdidas y ganancias” y cuyos huesos son arrancados en susurros por las corrientes marinas. La sala del acuario, una especie de gabinete de curiosidades biotecnoartísticas, forma parte del viaje de inmersión creado por el artista francés Pierre Huyghe en las salas reorganizadas en 2007 por Tadao Ando: un itinerario fronterizo hacia hipótesis de mundos en los que habita nuestra civilización. ha explotado, implosionado o degradado al escenario de una sombra inconsciente.
“Liminal” es el nombre de la obra principal que da título a la exposición (hasta el 24 de noviembre): un cuerpo femenino flotante, proyectado sobre una membrana en un ambiente oscuro, un cuerpo vacío -una sombra o una mancha oscura se ha tragado mucho-. de la cara. Un simulacro que parece estar habitado por una Inteligencia Artificial.
Son precisamente las IA las protagonistas de la exposición, ya sean máscaras doradas equipadas con receptores que reaccionan a estímulos externos, incluidos los visitantes de la exposición, inventando una especie de neolengua en susurros electrónicos, transportados por todas partes y en el rostro de los intérpretes (silenciosos por contrato), una especie de nuevas entidades simbióticas llamadas modismos; o el robot de la película “Camata”, que se tamiza entre zumbidos e intenta un ritual de entierro no muy exitoso sobre un esqueleto humano calcificado al sol del árido desierto de Atacama en Sudamérica. Una IA reedita continuamente la película, siempre diferente. Estamos cerca de la “Tierra baldía” de Eliot, rodeada de sus “hombres huecos”, aunque suplantados por otras inteligencias: un tótem luminoso, un servidor que parece respirar detrás de una pared transparente; los humanos quedan reducidos a restos biológicos, a autores de arte mudo, a vehículos como los modismos, a simulacros. La inspiración declarada de Huyghe es también Samuel Beckett, la representación comienza desde el grado cero, la IA podría ser la única, el extraño digital.
Liminal es un fenómeno que se sitúa en la frontera de la percepción, una frontera lábil y en movimiento. “Liminal es un estado transitorio, del que puede surgir lo que ni siquiera se ha pensado”, explica el artista francés. Quizás una coincidencia intencionada, es la misma paradoja a la que se enfrentan los “ingenieros de IA”, los ingenieros cibernéticos que diseñan, desarrollan y “entrenan” Inteligencias Artificiales cuando llegan a resultados de formas misteriosas para sus propios entrenadores. Cualquiera que se encuentre en una frontera es un extranjero por definición. Así, la exposición-obra de Huyghe parece dialogar en una distancia física cercana, pero desde otro Universo, con la 60ª Bienal de Arte comisariada por el brasileño Adriano Pedrosa en el Arsenale y Giardini bajo el título “Extranjeros en todas partes” (hasta el 24 de noviembre). Aquí el énfasis está en lo humano, lo demasiado humano, lo marginado y colonizado por otros humanos, explotado, borrado y buscando voz y redención. Poblaciones indígenas, pintores queer, recuerdos de esclavos y marginados.
Simplificando, podríamos decir que en Venecia los nativos compiten contra las Inteligencias Artificiales. La cuestión es que, al menos en el certamen artístico, los primeros corren el riesgo de perder. Pero veamos en detalle. Entre las dos visiones-exposición, a la entrada de la Corderie dell’Arsenale, actúa como barquero metafórico el astronauta migrante del anglo-nigeriano Yinka Shonibare con su traje brillante y una red al hombro cargado con maletas, una de las Pocas obras que en la cruel primavera veneciana susciten sonrisas más allá de los elogios. Entonces uno queda enredado en la banalidad bien intencionada de la gran instalación del colectivo Mataaho, formado por mujeres de ascendencia maorí de Nueva Zelanda, ganadora del León de Oro, realizada con correas de embalaje y que recuerda una atmósfera de no lugar. como por ejemplo el siglo XXI.
Se repite, visual y literalmente, en el otro extremo del Arsenale, el bosque de inocentes tubos transformados en órgano por Massimo Bartolini en el Pabellón de Italia, que han atraído ataques relámpago y pararrayos de defensa por parte de críticos y profesionales, alineados. en lados opuestos, pero que no cumplen su función de tubos de órgano: perforan, en lugar de hacer vibrar el espíritu. Nos movemos entre los cuerpos transexuales y transhumanos de Agnes Questionmark hacia el paisaje global de artistas populares chilenos anónimos, desde los evocadores retratos grupales femeninos de Giulia Andreani, en el Pabellón Central de los Giardini, hasta una yurta en la estepa de Anatolia. Un gran telón de fondo para un bazar planetario, pero la luz del arte rara vez se enciende: la construcción de la exposición está estrictamente controlada por la corrección política que la lleva a una espiral sobre sí misma.
A diferencia del principio de incertidumbre -tomado de Heisenberg- que actúa como hilo conductor en los mundos posibles de Huyghe, Arsenale y Giardini parecen tan decididos que colapsan debido a una caída de tensión. Hay excepciones que brillan: la escultura compuesta por LED y placas de aluminio de WangShui, un artista no binario estadounidense que juega con el cambio continuo entre identidades reales y ficticias, luz y materia, Inteligencia artificial y biológica; los bosques pintados de Rember Yahuarcani, de la nación Uitoto en la Amazonía peruana: bailan de colores y recuerdan las selvas oníricas de un gran pintor europeo autodidacta de la segunda mitad del siglo XIX, Henri Rosseau, y “El Oficial de Aduanas “, sólo en los de yahuarcani se elevan las voces de plantas y animales como serpentinas burbujas de discurso hacia arriba, un canto indígena de protesta.
Palabras, susurros, gritos. Como los nombres de las genealogías aborígenes (o mejor dicho, “Primeras Naciones”) y británicas, ordenados por el artista Archie Moore en una constelación sobre montones de casos judiciales bañados por el agua de una tina en el pabellón australiano. Inteligente, pero fría, ganó el León de Oro por participación nacional. Más fuertes y rebeldes son las esculturas del colectivo congoleño CATPC, alojadas en el pabellón holandés: trabajadores de las plantaciones que a través del arte quieren recuperar su pasado y el alma de los bosques devorados por los monocultivos de las multinacionales. El contrapunto de telas y pinturas de Eduardo Cardozo en el pabellón de Uruguay es más sutil, de Sur a Norte, su mosaico de harapos recuerda el “Paraíso” de Tintoretto.
Más allá de los pabellones, entre orillas, calles y canales, se encuentran los fuertes tecnológicos, como el que instaló cerca de los Jardines la artista Josefa Ntjam, nacida en Metz, Francia, y que se define como afrofuturista: combina especies marinas que han evolucionado digitalmente, estatuillas africanas, cosmogonía Dogon e Inteligencia Artificial. O como el grupo Digital Reform que eligió como ubicación la Scoletta dell’arte del Tiraoro e Battioro, en el siglo XVIII sede del gremio de artesanos que producían hilos y hojas de oro, ahora sede de una plataforma interactiva. Sí, en la laguna se llaman opuestos: los mundos indeterminados y cambiantes de Pierre Huyghe revelan detrás de la espontaneidad de la IA una dirección bien maniobrada del autor humano.
En el Palazzo Franchetti el artista paquistaní Osman Yousefzada en “¡Bienvenidos! Un palacio para los inmigrantes” (hasta el 7 de octubre) ha transformado las habitaciones patricias de una residencia del Gran Canal en un nicho de recuerdos para los inmigrantes con toques de cuento de hadas como las trenzas que terminan en patas de pájaro y que remiten a algún canal de distancia hacia los animales reinventados en clave surrealista por los famosos Claude y Francois-Xavier Lalanne en el Palazzo Rota Ivancich (“Planete Lalanne” hasta el 3 de noviembre). Así, dos de los temas de época, como la revolución de la IA y los flujos migratorios, se encuentran uno al lado del otro en la ciudad que ya era multicultural en la Edad Media y estaba a la vanguardia de la ciencia. Se tocan, se tocan, a veces hacen chispas.
“Puede resultar arriesgado agrupar a artistas de diferentes culturas bajo la etiqueta de arte indígena”, razona Shiva Lynn Burgos, artista y curadora estadounidense, fundadora del proyecto Mariwai, un proyecto de colaboración artística con el pueblo Kwoma de Papúa Nueva Guinea. “Si bien la Bienal Pedrosa es un hito, estamos trabajando para presentar un pabellón de PNG para el evento de 2026 no como una víctima de la colonización, sino como un competidor artístico en igualdad de condiciones, incluso con sus propias especificidades, por ejemplo el elemento espiritual que en la obra final actúa más allá de fines meramente estéticos”.
En Venecia (que se enriquece con nuevas colecciones, la de la nueva Fundación Berggruen en dos sedes y un parque de esculturas en la villa Furstenberg de Mestre financiado por Banca Ifis) la investigación artística, científica y social juegan en un campo común, aunque no siempre. no está definido, como ocurrió en la Serpentine Gallery de Londres, donde expuso recientemente Refik Anadol, el polémico “alucinador” de la IA, y como lo estará en el Yokoama Art Summit de 2025, en Japón, donde Philippe Parreno ha sido nombrado director y que en noviembre utilizará la IA en Múnich como motor de una exposición multimedia y multisensorial que dará “vida” a los espacios de la Haus der Kunst.
Al final de las miradas, el enigma es estético, simbólico, como en los inicios de la humanidad: ¿abrirán las IA otras formas de ver, tal vez en los propios mitos ancestrales, incluidos los fragmentos olvidados de tribus aisladas? ¿O seguirá siendo el humano al timón, como la desaparecida Fleba de Eliot, con la cara en dirección al viento, pero quién puede ahogarse en una tormenta? La respuesta, tal vez, esté precisamente en la ciudad de la laguna en otras dos exposiciones, eventos colaterales de la Bienal: la exposición individual de Berlinde de Bruyckere “Ciudad de Refugio III” en la iglesia y abadía de San Giorgio Maggiore de Andrea Palladio, donde arcángeles de metal y cera, envueltos en mantos de piel de vaca, se encuentran frente a espejos que parecen buscar el reflejo de los cielos caídos. ¿Está amenazado el arte, que el belga de Bruyckere considera su último refugio? En el Palacio Contarini Polignac, en el Gran Canal, la Fundación Pinchuk presenta “Desde Ucrania: atrévete a soñar” (Desde Ucrania: atrévete a soñar, hasta el 1 de agosto). El órgano con tubos hechos con bombas rusas detonadas por Zhanna Kadyrova suena como una emoción y al mismo tiempo una esperanza y la tecnología humana de la belleza es también la recuperación de instrumentos de muerte, advertencia y liberación; una película de David Claerbout nos adentra en cámara muy lenta en la explosión que destruye una casa. Una de las obras más minimalistas es la de la india Shilpa Gupta, en la que dos tableros anticuados, con letras abatibles, dialogan entre sí, lleno de errores y tímidos intentos de anular la soledad. Uno se pregunta si es ChatGPT hablando con su hermano algorítmico. No: el diálogo poético lo escribió Gupta, ida y vuelta, errores e incertidumbres. Sin indicaciones ni alucinaciones digitales. Indica un camino tortuoso para redescubrir el mundo y el arte, pero es sin duda un camino, una ruta hacia el “cambio radical”, el cambio marítimo shakesperiano que parece esperarnos en un futuro próximo.
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En la foto, una videoescultura del artista estadounidense WangShui realizada con LED, en el Arsenal de Venecia, en la exposición “Stranieri Ovunque” de Adriano Pedrosa.
