Bienal de Venecia, en el Pabellón de Uruguay, Eduardo Cardozo conversa con Tintoretto

por Redacción, escrito el 16/04/2024
Categorías: Arte contemporáneo / Temas: Arte contemporáneo

Un diálogo entre el artista uruguayo Eduardo Cardozo y el gran Tintoretto: esta es la propuesta del Pabellón de Uruguay en la Bienal de Venecia 2024.

yoUruguay elige Eduardo Cardozo como artista representando al país en Bienal de Venecia: El Pabellón Uruguayo acoge la exposición Latente, exploración de las relaciones entre dos mundos artísticos distantes en el tiempo y el espacio: el de Eduardo Cardozo y el del gran Tintoretto. La propuesta se manifiesta como un acto de conexión entre dos pintores a través de tres momentos distintos: el desnudoel vestido y el velo.

El primer momento, el desnudo, se materializa en la pared del estudio de Cardozo, trasladado físicamente a Venecia con una técnica de desprendimiento que preserva y transporta la esencia creativa del artista uruguayo. Este gesto no sólo representa una especie de “movimiento” simbólico del estudio de Cardozo, sino que también quiere crear una conexión entre el contexto artístico de Uruguay y el de la Bienal de Venecia. El segundo momento, la ropa, se basa en la interpretación que hace Cardozo de uno de los bocetos del Paraíso de Tintoretto. A través de su obra, el artista uruguayo pretende ofrecer una nueva perspectiva sobre una obra maestra del maestro veneciano, creando un diálogo visual y conceptual entre dos épocas y culturas artísticas diferentes.

Finalmente, el tercer momento, el velo, representa un elemento de conexión material y simbólica entre las obras de Cardozo y Tintoretto. Hecho de retales de lienzo de algodón crudo usado para transferir la pared del estudio, el velo se convierte en Un puente entre Uruguay e Italia.entre el sur y el norte, entre la visión artística de Cardozo y la reinterpretación que hace su obra de la pintura de Tintoretto.

La decisión de Eduardo Cardozo de exponer la piel de su estudio y trasladar las capas superficiales de las paredes mediante la técnica del desprendimiento es un acto de revelación y vulnerabilidad artística. Este gesto muestra la parte más íntima de su ser artista: el espacio en el que concibe y crea sus obras. Los muros, privados de su superficie externa, se convierten en testigos físicos del proceso creativo de Cardozo, mostrando las señales del tiempo y los daños sufridos durante su práctica artística. Estos muros desnudos revelan la fragilidad del artista y su obra, exponiendo su dependencia del contexto y marco que lo rodea. Dentro de esta sala prismática, las paredes del estudio de Cardozo pierden su familiaridad y se vuelven extrañas, insertadas linealmente en un nuevo marco veneciano. Esta transformación destaca la alteridad del muroque ahora representa un presencia extranjera en Venecia: un muro uruguayo que habita un espacio veneciano. Este contraste entre el origen de la obra y su nuevo contexto enfatiza la complejidad de las relaciones culturales y artísticas que se manifiestan a través de la transferencia y reapropiación de elementos espaciales y conceptuales.

Cardozo, como explorador del tiempo y del espacio, se aventura a descubrir Venecia y durante sus investigaciones se topa con uno de los bocetos de Cielo de Tintoretto, conservada en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid. Este lienzo monumental fue objeto de un largo proceso de restauración entre 2012 y 2013, que captó la atención y el interés de Cardozo. A través de un proceso de reinterpretación artística, Cardozo decide recrear la vestimenta de los personajes retratados en el cuadro de Tintoretto. Utilizando materiales como lienzo en bruto, arpillera y lino, modelados y teñidos con pigmentos, la artista uruguaya da vida a una nueva visión de las túnicas pintadas por el maestro veneciano. En este proceso, Cardozo no busca imitar el original en un formato diferente, sino extraer de la pintura de Tintoretto un lenguaje pictórico característico, que incluye formas, gestos, luz y color.

En sus reinterpretaciones, Cardozo se centra en gestos típicos del manierismo veneciano, recreando el entrelazamiento y la torsión de las formas que caracterizan la obra de Tintoretto. Los lienzos pintados por el artista uruguayo aparecen como montículos flotantes de gran fluidez y armonía, con colores venecianos bailando en un diálogo de formas orgánicas. Los bordes de los lienzos se funden entre sí creando un efecto de continuidad y movimiento que envuelve al espectador. De esta manera, Cardozo vuelve a “vestir” a los personajes de Tintoretto, reinterpretando su desnudez y dando vida a una nueva narrativa visual.

En el centro de la sala domina el velo: un lienzo ligero y translúcido compuesto por trozos de lienzo en bruto utilizados para trasladar las paredes del estudio del artista, unidos mediante costura. Este velo evoca una sensación de gasa, que muestra y oculta al mismo tiempo. Al constituir un espacio liminal, de transición entre la desnudez de las paredes del estudio y las ropas de las figuras de Tintoretto, el velo se convierte en un elemento crucial en el encuentro entre estos dos mundos artísticos.

El velo parece un obstáculo en la interacción entre las obras de Cardozo y las de Tintoretto, proponiendo un juego de seducción entre ellos. Como si de un acto de cortejo se tratara, el velo permite al visitante ir descubriendo las distintas partes, que emergen bajo una luz difusa. Esta membrana semipermeable invita al espectador a explorar la obra de Cardozo y, al mismo tiempo, a reflexionar sobre sí mismo y sus percepciones.

A través de este acto relacional con el velo, Cardozo no sólo explora y aprende sobre Tintoretto y Venecia, sino también sobre sí mismo. La presencia del velo pretende representar un momento de autorreflexión y descubrimiento personal para el artista, que se sumerge en un diálogo con la historia del arte y con su propia obra, abriendo nuevas perspectivas de comprensión e interpretación.