Entrevista con la artista Martina Antonioni | Artribune

Martina Antonioni (Milán, 1986) da forma con sus obras a su investigación sobre la intimidad poética, privilegiando sobre todas las posibilidades que ofrece la pintura. Formada en NABA, la Nueva Academia de Bellas Artes de Milán, participó en varios talleres: con Tim Rollins (2011), con Grupo Etcetera (2011), con Nomedas y Gediminas Urbonas (2010). Entre las exposiciones colectivas en las que ha participado se encuentran: ¡Guau!Federico Rui Arte Contemporáneo (Milán, 2021); Estados Mentalescomisariada por Petra Cason, Palazzo Valmarana Braga (Vicenza, 2019); Recarga de Miguel Ángel, curada por Alessandro Romanini, CAV – Centro Arti Visive, (Pietrasanta, 2019). Su última exposición individual tuvo lugar en 2024 en la galería Federico Rui Arte Contemporanea de Milán. Partiendo de uno de los temas principales que subyacen en su poética, la imperfección indefinida que caracteriza la vida, este diálogo saca a la luz otros aspectos que la caracterizan: el interés por las posibilidades de la pintura, el papel de las reglas, la atención al espacio, la influencia de poesía.

Entrevista a Martina Antonioni

Tu forma de hacer arte, que ya se dejó ver en tus primeros trabajos basados ​​en el uso de la fotografía y resalta aún más en tus pinturas, no deja espacio a la ornamentación.
Creo que vale la pena trabajar disfrutando plenamente de lo que sucede, sin dejar de lado que las cosas pueden cambiar sin que te lo esperes, como ocurre naturalmente en la vida cotidiana. Pintar no es sólo una cuestión de lograr una forma, sino de encontrar la forma más satisfactoria de hacerlo.

El artículo continúa a continuación.

Siguiendo esta inclinación conseguirás que tus lienzos se llenen de “signos que se desmoronan”.
Hay una enseñanza que recibí cuando comencé a estudiar pintura y que me influyó mucho: olvidar todo lo que sabía. Y esto también se aplica a cualquier reclamación desde el punto de vista de los materiales y medios para hacer arte. De alguna manera mis obras muestran imperfecciones, errores, transfiguraciones. De hecho, no creo que podamos subestimar todo lo que hay que afrontar para poder hacerlo. El hecho de que de una obra puedan filtrarse elementos y temas, o incluso detalles sobre lo que se hace, es en cierto sentido una conquista. Esos letreros se desmoronan por múltiples razones, por los materiales y colores que uso. Tomemos el blanco: sé usarlo satisfactoriamente porque lo uso desde hace mucho tiempo y es un color que me permite trabajar pictóricamente casi como si fuera un escultor. O consideremos el uso de dibujos animados: me permite pintar libremente, para obtener resultados que de otro modo tal vez sólo podría imaginar.

Parece reaccionar ante cada obstáculo o limitación tomando medidas para superarlo tan pronto como lo encuentra.
De alguna manera, así es como funciona. Reacciono a múltiples limitaciones, que son ante todo físicas, a través de la posibilidad misma de trabajar de manera aún más profunda en la expansión de las formas. Para mí también se trata de lidiar con la influencia de múltiples reglas. Por ejemplo, si no tengo espacio a mi alrededor, lo busco en el lienzo.

¿Qué papel tienen las reglas en tu trabajo?
Algunos de ellos los frecuento, aunque en conjunto podría decirte que casi no me doy cuenta. Sé que están ahí, porque luego veo rastros de ellos. Ya no tengo otros. Con el tiempo me di cuenta que los había modificado y transformado. Tener reglas te ayuda a ser libre. Al menos, así es como me va a mí. Renunciar a algo para ir a otra parte es un gran desafío.

Quizás sea por esta inclinación hacia la libertad que tu actividad sea también una investigación permanente en el espacio. Pienso en particular en las esculturas en forma de senos que se encuentran esparcidas por todas partes. ¿Cómo comenzó su producción?
La suya es, en primer lugar, la historia de un pequeño limón que me había dejado en casa durante un periodo de abstinencia por un problema de salud. Lo escudriñé, casi en trance, frente a su piel amarilla. Cuanto más miraba, más me daba cuenta de que esa esfera amarilla y arrugada no era sólo una fruta. Noté que se parecía mucho a un seno. A partir de ese momento comencé a trabajar en ello, intentando encontrar la manera más satisfactoria de darle forma a esta idea mía. Coge los limones y sécalos, trabaja sus formas con yeso. Pero no fue sólo una obra escultórica.

¿Por qué?
Para poder seguir adelante con la producción (que ya lleva casi tres años), tener muchos limones y darle forma a una pechuga de cada uno, involucré a más personas. Les pedí que los guardaran a un lado y esperaran pacientemente a que se secaran, para guardarlos y luego tenerlos para mí. Es una obra que es fruto de uno colaboración femenina. Una obra coral, que parte de un desecho, que se ha transformado en una constelación de senos en evolución, que, como una forma ajena, coloniza el espacio y se convierte en relación. Es un trabajo de relación y paciencia. Es una actividad realizada en varias fases, a través de las cuales también desarrollé mi propia idea en torno a las posibilidades de una instalación basada en la escultura.

¿Qué idea es esta?
Me interesa ese malentendido que determina la presencia misma de todos esos limones/pechos dispuestos en una gran superficie: casi parecen hallazgos de vida marina, materiales naturales pertenecientes a las profundidades acuáticas… Luego, déjame decirte, hay también todo un misterio que es específico del fruto y que se repite en cada escultura: cada mitad del limón se seca a su manera y toma su propia forma, volviéndose también muy diferente de la otra mitad. Esto también es decisivo para ese reparto entre superficies, la de la piel del limón y la de la piel, que luego intento establecer.

Destaca también otro aspecto: la pérdida de un central. Aunque la impresión que tengo es que es sólo un resultado temporal, porque entonces siempre se trabaja en la centralización.
De alguna manera es necesario no sentirse abrumado. Como si estuviera sumergido. Algo similar sucede cuando estás en el agua y nadas: das patadas para evitar terminar bajo el agua. Un poco como si fueras capaz de reaccionar ante un posible riesgo de ahogarte.

Tu forma de expresarte muchas veces se basa en el uso de unos pocos colores. Estoy pensando, por ejemplo, en tu trabajo. no sufro por amor: nos gustaría decir que hay un azul claro, blanco y rosa. Pero luego hay que repasar todo en relación al rojo de la flor y un verde casi imposible de captar. Sin embargo, está ahí.
Se trata de acercarnos mucho -no sé si será así, pero al menos lo intentaré- a la posibilidad de evitar que algo se desintegre. Los elementos individuales que describe son en cierto modo la contraparte cromática y simbólica de mis intentos de arreglar explosiones. Casi como si el color pudiera permitirme tomar instantáneas sobre el lienzo de movimientos y detonaciones.

Se destaca también la influencia de la poesía en su práctica artística.
Leo mucho, no sólo por guardar silencio, sino sobre todo porque aprecio la forma en que cada palabra logra ser algo inmenso a pesar de ser parte de un texto delgado. Hay un lado de la poesía que considero como posible evidencia de verdad. Creo que hacerlo significa poder ser sincero. Leo, releo a menudo, y aunque parezca casi mármol, esa palabra es cada vez el signo de otra posibilidad. Está grabado pero también muy vivo.

Trabajas mucho la presentación de figuras y colores, permitiendo que el fruto pictórico se mezcle con el ilustrativo. El resultado -y por eso también he mencionado la poesía- me parece casi un conjunto de “versos pictóricos”.
Tal vez. Aunque funciono a través de imágenes, me alimento de pausas y momentos preciosos y esenciales en los que me detengo. Creo que este ritmo también se traduce de alguna manera en el lienzo, como si fuera poesía o música, hecha de figuras y colores.

Lo que parece guiaros no es sólo una posible inspiración sino también una robusta obstinación. Quiero decir, no importa cuán mínimas sean, las señales que haces siguen siendo una expresión de tu necesidad. Lo son sobre todo porque permiten insistir en el mismo potencial de la pintura.
Hay una especie de fluidez operativa que me guía, es decir, la aceptación de la formación y fijación del color y de los signos en la superficie. Para mí se trata, más o menos conscientemente, de dejar espacio a mi necesidad de no entender demasiado lo que he hecho. Seguir será mi manera de mirar y darme cuenta -sólo después- de mis acciones. El hecho mismo de que estoy buscando una dirección, pero que esto es factible precisamente porque estoy haciendo el trabajo. La pintura sucede.

Davide Dal Sasso

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