No por error, el jidaigeki (que debe traducirse como “drama histórico”) y el chanbara Ellos eran Considerados durante mucho tiempo los géneros más representativos del cine japonés.. No es sorprendente que durante mucho tiempo aproximadamente la mitad de las producciones estuvieran disfrazadas. A lo largo de las décadas, entre muchos altibajos significativos -entre estos últimos, la censura de posguerra y el cansancio de las producciones de género histórico, consecuencia de la crisis de la industria cinematográfica del País del Sol Naciente en general, entre los finales de los años setenta y noventa- se han producido numerosas remeditaciones y contaminaciones con otras corrientes e ideas cinematográficas: desde tonos épicos a otros más intimistas, desde el experimentalismo minimalista a obras más políticas, pasando por el encuentro dialógico con las acrobacias del wuxiapiano China-Hong Kong, el desierto de la interioridad dramática occidental o europea.
Con motivo del éxito del programa en Disney Plus (aquí está nuestra reseña de Shogun), a continuación se proponen algunas obras sobre los samuráis que son desconocidas pero no menos relevantes, enumerados en orden cronológico, desde la década de 1940 hasta la actualidad. Inevitablemente, no se trata de títulos que puedan considerarse absolutamente entre las mejores películas de samuráis -ya, recientemente, tema de las 5 películas de samuráis a ver si te gusta Rise of the Ronin-, sino cinco menos conocidas por el gran público, una de las cuales Se trata de un auténtico comodín propio con el que atreverse y estimular la reflexión sobre el estatus de este subgénero. Todos, No hace falta decir nadaprocedente de Japón.
Los hombres que pusieron el pie en la cola del tigre
No es fácil no pensar en Akira Kurosawa cuando se habla de películas de samuráis. Este nombre está asociado a algunos de los títulos más importantes del género y, en general, de la historia del cine del siglo XX. EL sus primeros trabajos, a menudo no se les da mucha consideración, muestran ya desde los primeros años de actividad – después de haber sido asistente de dirección en una veintena de producciones – una expresividad y una poética ya fuera de escala. Entre ellos, Hombres que pusieron el pie en la cola del tigre (también conocido como Los hombres que caminaban sobre la cola del tigre.), de 1945, es una de las menos populares, también por sus turbulentos acontecimientos: rodada con medios improvisados, la película Fue obstaculizado tanto por los censores militares locales como por las fuerzas de ocupación estadounidenses..
Hasta el Tratado de San Francisco (1951, año en el que el cine japonés finalmente abandonó sus territorios para acercarse al mundo) la obra permaneció esencialmente desconocida y una vez que llegó a los cines al año siguiente, no logró consolidarse sobre todo porque, producida años antes, parezco “viejo” frente a obras del mismo director, en el cine en ese momento (El idiotabasado en Dostoievski y, poco después, Vivir).
Adaptación de un drama kabuki (a su vez tomado de una obra no h de finales del siglo XV), la película se diferencia del texto original no sólo por algunos elementos más cómicos, vistos fuera de lugar en un texto de carácter histórico, sino sobre todo por el espíritu casi rebelde de su autor. Kurosawa parece estar divirtiéndose en el burlarse y burlarse del poder, una especie de sacralidad casi intocable, al mostrar las cuestiones críticas de una nación, especialmente su pasado cultural y sus tradiciones. Un proyecto revolucionario a su manera (pocos habían pensado en poner en tan mala posición ciertos dogmas), precursor de temas y personajes que se repetirían en su filmografía -con la mirada, una vez más, en las vanguardias artísticas, como como el expresionismo, evidente sobre todo en el uso de la iluminación y la escenografía.
La historia de Zatoichi.
El nombre del samurái ciego no es un nombre nuevo para los más acostumbrados al cine oriental contemporáneo: Zatoichi, Importante ícono cultural de la época, estuvo en el centro del largometraje del mismo nombre dirigido y protagonizado por Takeshi Kitano.más un capítulo más, el vigésimo séptimo, de la saga que un remake moderno -son veintiocho películas centradas en ronin (samurái sin amo) vagabundo, todos más o menos independientes aunque unidos por una horizontalidad débil pero aún presente. El primero de ellos, La historia de Zatoichi.dirigida en 1962 por Kenji Misumi, trabaja de forma excepcional en la construcción de la psicología inquieta del protagonista, una suerte de punto de referencia para el público de aquellos años.
En un momento histórico de reconstrucciones, desilusiones y crisis de identidad para todo Japón (en el centro de las obras de muchos otros autores japoneses, como, entre muchos, Nagisa Oshima), Zatoichi -un gran Shintaro Katsu- no oculta la ambigüedades y lo hace aún más lábil frontera entre el idealismo romántico y la cruda decadencia, entre la libertad de independencia y la soledad devastadora. Contradicciones de quien, al fin y al cabo, no es un verdadero samurái y vive para sí mismo, juega pero está dispuesto a defender a los más débiles, no por honor sino casi por una especie de respeto hacia aquellos a quienes, como él, está relegado. el último”.
El mundo descrito en el primer (el mejor) capítulo de la serie es sucio y corrupto, fuerza la violencia y no perdona a nadie: escenario perfecto tanto para el espectáculo más de acción -especialmente en las líneas finales, donde la dirección da lo mejor- como para el enfoque más introspectivo, ayudado por un excelente montaje que nunca pierde de vista la tensión que se deriva de los detalles, de los gestos. . Al encontrarnos con los inevitables clichés de este tipo de narrativa, La historia de Zatoichi. encuentra su dimensión ideal sobre todo en la simplicidad directa y concisa que prefiere el modelo de serie.
donde vuelan los cuervos
Como se mencionó, el cine samurái se ha cruzado, con el tiempo, con diferentes géneros. yoEl cruce con el western, por ejemplo, ofreció nuevas posibilidades expresivas.especialmente a principios de los años setenta. donde vuelan los cuervos (mejor conocido por su título original, Goyokin) es un perfecto ejemplo de esta contaminación, también por el uso que hace del formato Panavisión. La película de 1969, dirigida por el nunca suficientemente elogiado Hideo Gosha, a pesar de su linealidad, toma lo mejor de las culturas cinematográficas de la época y lo explota para poner en escena una balada melancólica sobre el honor del guerrero (la llamada bushido) y sobre lo que significa ser un samurái, llevar una espada y lidiar con el pasado, nunca dejado atrás por completo.
En años en los que el discurso político era mucho menos arriesgado en escena, Gosha dejó parcialmente de lado los elogios a la violencia de su cine para dedicarse a drama interno, en busca de reconciliación y paz, obstaculizado por un sistema podrido que, interesado casi exclusivamente en las finanzas, está perdiendo hasta el último ápice de humanidad. Un tormento que entrelaza historias e involucra a múltiples actores sociales, todos sostenidos por equilibrios precarios dispuestos a ser fatalmente rotos.
Sin embargo, de esto no surge una dicotomía clara entre el bien y el mal (incluso si Es la reputación del shogunato la que emerge con los huesos rotos, culpable de permanecer indiferente y mirar desde la distancia), la investigación se desarrolla lentamente a través de las zonas grises de la moral, porque para sobrevivir en un contexto hostil como este quizás sea necesario adaptarse y ceder. Pero la sensación general de desesperación no afecta a las escenas de acción, algunas de las cuales se alternan con momentos de estasis estratégica muy estudiados y evocadores, rodados con un riguroso cuidado escénico que valoriza sobre todo los espacios y la posición de los cuerpos en ellos.
¿Por qué no juegas en el infierno?
A primera vista se puede decir cualquier cosa excepto que se trata de una película de samuráis. Pero entre la comedia, el frenesí de la mayoría de edad y la yakuza (¡realmente hay de todo!) ¿Por qué no juegas en el infierno? Se puede llamar, aunque con un poco de esfuerzo, una película de samuráis, ciertamente poco convencional pero muy contemporánea. El cine de su autor, ese Sion Sono que ha tenido muy poca distribución en Italia, es cualquier cosa menos clasificable (y esto ayuda a catalogar sus obras, que pueden asociarse a uno u otro género), nunca domadas y con una personalidad sui generis. Rasgos todos presentes en la película de 2013, en la que alcanza algunas de las cimas de su cine (cuyo punto más alto es, probablemente, siempre Exposición de amor) y reflexiona sobre la práctica misma de hacer cine. Hacer películas de samuráis, entre otras cosas.
Sono tiene un dominio de libro de texto sobre personajes, historias e imágenes, capaz de mantener unida toda esta densidad y hacer que funcione con precisión, incluso cuando parece nada está bajo control y que se han soltado las riendas. Su cine es como una gran caricatura que, sin embargo, como en este caso, no olvida la tradición artística japonesa y rinde homenaje a los samuráis no con tonos de nostalgia sino con un enfoque posmoderno y fresco. Y el duelo final es el ejemplo perfecto de cómo honrar al chanbara con sus propias ideas.
Extraordinario, ¿Por qué no juegas en el infierno? exagera no sólo el arte de su autor sino incluso los rasgos estilísticos de los samuráis: los descritos por el director no son guerreros con honor y dignidad pero tampoco yakuza demasiado inteligentes, que visten como sus antiguos homólogos pero de los que parecen más bien un parodia. No será una película de samuráis, como se entiende tradicionalmente, sino más bien una locura lúcida que juega y se divierte con los samuráis.. Y al menos una vez, siempre y cuando no ofrezca siempre los mismos títulos, podría estar bien así.
Asesinato
Una película como esta, de esta manera, pocos directores además de Shinya Tsukamoto pueden pensar en ella. A partir del título original, zan, que puede traducirse como “cortar”: en el centro están los medios con los que defenderse, hacer alarde de habilidades pero también herir, matar. Aquí está representado por la espada/katana que, como suele ocurrir en jidaigekiY no sólo en el centro de un culto real sino que también se convierte en una extensión del cuerpo y el espíritu. Desde el principio, Tsukamoto siempre muestra dichas extensiones (la espada o, en ese caso, la máquina) como el mal a intentar rechazar; un mal que, sin embargo, no siempre se puede mantener alejado y que, tanto en el pasado como en la época contemporánea, conduce a una deformación del espíritu y a una deshumanización.
Su segundo capítulo de la trilogía sobre la violencia y la guerra (comenzó con Incendios en la llanura y recientemente concluyó con Sombra de fuegoentre las películas de 2023 aún no estrenadas en Italia) investiga las facetas del alma humana, la delgada frontera entre la lucidez y la locura, en una era de transición – el final del Período Edo y el comienzo de la Edad Moderna, en la segunda mitad del siglo XIX, corresponde al advenimiento de la Era Meiji, con todos los cambios, especialmente morales y sociales, que trae consigo – inestable y neurótica como el estilo del cineasta.
Una cámara ocular, a menudo manual, atormentada incluso en la aparente tranquilidad, uno poética expresiva que realza la crisis nerviosa de la mirada y la psique, incluso cuando, como en esta obra, el estilo se vuelve, al menos en comparación con el pasado, más enrarecido. Tsukamoto rompe perspectivas sobre el pasado de Japón, siempre impregnadas de un respeto obsequioso, y las inviste con su peculiar valor, todavía punk. Un conflicto interno, el de matar, que es reflejo de los errores de un mundo que nos quiere máquinas fratricidas (término no casual) despiadadas, frente a una humanidad difícil de mantener con vida.
