La ópera prima de Satoshi Kon vuelve a los cines del 22 al 24 de abril, una cita ineludible para descubrir una de las películas más influyentes de los 90 en Perfect Blue
nadie lo sabe realmente Satoshi Kon cuando llegó a los cines de Japón en 1997 Azul perfectosu primer largometraje tras trabajar unos años como guionista de manga y anime (dándose a conocer por Katsuhiro Otomo y colaborando con Mamoru Oshii, dos autoridades de la animación de aquellos años). Pero esto es secundario. Lo más importante es que nadie ha visto nunca una película así. Azul perfecto. El anime ya era algo serio, el Estudio Ghibli ya había nacido y el anime para adultos llevaba más de una década apareciendo. Sin embargo, nadie había creado nunca una película de animación que, a pesar de referirse a un género (al fin y al cabo, es una historia de detectives), trabajara tanto en la historia de la psique del protagonista, que al mismo tiempo estaba completamente arraigada en un realismo. Lo cual fue impresionante en términos de detalle y precisión y en el mundo de la mente. Nadie había hecho nunca una película de animación tan inspirada en el cine de la vida real, sólo Mamoru Oshii la había abordado dos años antes con Fantasma en la concha.
Como casi todos sus trabajos posteriores Kon Azul perfecto es la historia de una persona que existe en dos estados o situaciones o condiciones al mismo tiempo. Tiene una trama, incluso bastante lineal, pero lo más importante es la historia de cómo la mente lucha por conciliar estos dos estados, cómo se puede ser una cosa y su contraria y el intento de escenificar el punto exacto en el que se encuentran los dos estados. confundirse. En la historia, una cantante que forma parte de un trío, Mima, decide abandonar la música (y por tanto una identidad que ha creado) y empezar una carrera como actriz, en la que, por tanto, irá adoptando identidades diferentes de vez en cuando. En ese momento un hombre trastornado y obsesionado con ella la sigue y en cierto sentido la persigue. Cuanto más trabaja como actriz, más lucha Mima por conciliar la realidad y la ficción, la actuación, el escenario y su pasado como cantante, mientras alrededor de la producción en la que trabaja varias personas mueren en lo que parecen ser asesinatos cometidos por su.
Los asesinatos, la sangre, la violencia y hasta una violación falsa (actuada en la producción en la que participa Mima) son una herramienta y no el fin, esta no es una película de violencia estrictamente hablando aunque la contenga, es una de los muchos recursos a través de los cuales se mezclan dos lados de una mente, el blanco y el negro. Al fin y al cabo, eran los años 90, cuando la figura del asesino en serie estaba más de moda. Mima se presenta en una escena inicial, hermosa, pura, una muñeca j-pop ligeramente sexy y algo inocente, y luego como una chica muy normal que vive en un pequeño apartamento caótico. Una persona corriente que empieza a caer en algo que no siempre es fácil de entender porque ya no es capaz de conciliar lo que es, es decir, la realidad, y lo que pretende ser por trabajo, es decir, la identidad de un cantante de j-pop y luego las identidades ficticias de los roles que desempeña.
En 1997 el cine había realizado numerosas películas sobre personalidades dobles o múltiples. ¡Y cómo! Pero casi siempre eran películas en las que descubrimos al final, sorprendentemente, que el protagonista o deuteragonista tiene otra personalidad y por tanto lo que pensábamos que eran dos personajes son solo uno (Psicópata) o sabemos inmediatamente que dos almas completamente diferentes luchan dentro de un personaje (doble personalidad). Hasta ese momento el cine había tratado la frontera entre dos identidades como dos estados claros y separados. Son una cosa o la otra, suelen tener también dos nombres para que el público sepa cuándo el personaje es X y cuándo ha cambiado y es Y. Lo que llama la atención en su momento y aún hoy Azul perfecto es que quiere hacer exactamente lo contrario, quiere escenificar la frontera borrosa entre estados, confundir y no aclarar. Y es sorprendente cuántas maneras diferentes Kon encontrado en esta película para representar esta frontera (más allá de los espejos más habituales y usados), a veces un objeto que pasa por delante de “la lente” es suficiente para revelar que hay una frontera.
Por supuesto, en el centro de todo está Mima y su antigua identidad j-pop, pero ¿y si Azul perfecto es tan profundamente denso porque él mismo se desliza entre las dos realidades, formalmente la suya propia. No es sólo la historia de una persona que tiene más de una identidad en conflicto, sino la historia de ese conflicto a través de un personaje. La diferencia radica en que muchas veces la película no nos queda clara y nos engaña, nos muestra una escena en la que Mima hace algo, para luego (con un corte de montaje) revelar que está actuando en el set. Entonces esa no era ella, sino un personaje que interpretó. O nos muestra algo que parece real y luego revela que es un sueño o fruto de su imaginación. En ciertos momentos ni siquiera lo explica, de modo que nosotros también llegamos a ese estado en el que se encuentra Mima, donde ya no es posible entender qué es verdad y qué no.
Es la lucha por el despertar: cuando no está claro si uno está soñando o es consciente, si lo sucedido es verdadero o imaginario. Esa zona liminal lo es todo. Azul perfecto. Y también la historia policial, es decir, los asesinatos y la sospecha constante de quién podría ser el asesino, ya sea realmente Mima o el hombre obsesionado con ella que tiene un sitio web sobre ella y vive en un apartamento cubierto de sus fotos, es parte de esa estrategia de distracción continua.
Y Videodromo en cierto sentido, es decir, la confusión entre lo filmado y lo real, pero también De Palma, la idea de que mirar algo o a alguien a través de una lente es una forma de posesión. En definitiva, es algo que pertenece al cine desde antes de 1997 pero que Azul perfecto lo lleva a un nivel decididamente más obsesivo. Como nunca antes lo habíamos visto pero tal vez sea más correcto decir, como nunca lo habíamos experimentado. Porque Mima ha creado otras identidades para trabajar, en particular la de cantante de j-pop que luego decidió abandonar pero que no parece querer abandonarla, y que vive como una forma de duplicación imposible de gestionar. Con una mano nutre ésta y otras identidades en el set, con la otra intenta ser ella misma. Como en el cine de la vida real, cada una está iluminada de forma diferente.
Esto es exactamente lo que entonces, dieciséis años después, Darren Aronofski explorará en El Cisne negro: una chica que adopta dos identidades por trabajo y es incapaz de conciliarlas con su vida privada, acabando en una espiral de violencia que no sabemos muy bien de dónde viene.
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