En un momento contemporáneo en el que el concepto de nomadismo (y también la facilidad de ser nómada) se encuentra en los niveles más altos de uso, estudio y especulación, el curador Adriano Pedrosa elige componer su propio título para esta 60ª Bienal de Venecia utilizando el adjetivo “extranjeros” (del latín extrānĕus > “extranjero”, “extraño” o “externo”). Si esta condición no fuera ya suficientemente compleja en sí misma, el adverbio “en todas partes” que añade la complica aún más.
Extranjeros en todas partes – Extranjeros en todas partes(este es el título completo) nos sitúa ante un abanico de condiciones de diferente naturaleza y con infinitas declinaciones, desde las más estrictamente etimológicas hasta otras más políticas e incluso psicológico-introspectivas.
“Dondequiera que vayas y estés donde estés siempre encontrarás extranjeros y, mientras tanto, tú también eres o has sido extraño a algo o a alguien, fuera o dentro de ti”. El trabajo del colectivo italo-británico. Claire Fontaine (Fulvia Carnevale y James Thornhill) que abre el camino de los fabricantes de cuerdas con la escritura de neón “Extranjeros en todas partes”, nos hace conscientes de esta posibilidad, recordándonos esta actual condición humana de extrañamiento e instándonos a abandonar cualquier forma de racismo a priori. Precisamente el racismo o más bien los racismos contemporáneos -en sus más diversas formas- es lo que Pedrosa quiere combatir con esta Bienal, partiendo del mundo del arte (y de los artistas) para llegar a teorizar algo más global, antropológico, que forma parte de todos nosotros. en nuestra vida diaria.
La condición nómada del artista – muchas veces elegida por voluntad o incluso por necesidad – se convierte en el inicio de una investigación que se expande a 331 autores, que a través de sus vidas y sus obras expresan, explícita o metafóricamente, su condición de extranjeros, inmigrantes, diásporas. , exiliados o refugiados. Para aumentar la carga iconográfica, y el esfuerzo, de estos “viajes”, el camino del arsenal comienza emparejando la frase del dúo Claire Fontaine una escultura de maniquí del artista nigeriano Yinka Shonibare, un astronauta refugiado, cubierto de telas africanas y con la intención de huir, llevándose pocas posesiones mundanas; como si tuviera que escapar de su presente, dejando traslucir la dificultad de este desplazamiento.
Esta entrada, más que una composición instalativa, es por tanto un lema ideal con el que abordar esta visita. Comienza así un arsenal que, a diferencia de las últimas ediciones, abandona los esfuerzos de hiperexposición para volver a la sencillez de la obra, desde la pintura mural a la escultura en la plataforma, a la propia obra expositiva, al realismo. bruto del material, centrándose en cambio en las motivaciones que les dieron origen; una modulación que hace que todo parezca muy”viejo estilo”y sin sensacionalismo (a veces demasiado) deja mucho espacio a las obras.
Así, a lo largo de las distintas filas del arsenal, las paredes se llenan de telas, bordados y pinturas, como las de pacita abad Y Fronteras Delaware isla Negro o de instalaciones sutiles o suspendidas, como en el caso de la gran obra de Frieda Toranzo Jaeger “La rabia es una máquina en tiempos de sinsentido”. Hay lienzos como los muy grandes y detallados del artista-activista Rember Yahuarcani o de la australiana Marlene Gilson, aborigen y parte de Wathaurung/ Wadawurrung Elder and Traditional Owner (una comunidad australiana oprimida durante años por el colonialismo) que rezuman redención y con el que el artista con cada pincelada “contribuye a situar la historia de su familia en el mapa mundial y a devolverla a los libros de historia”.
Si bien esta Bienal puede no brillar con equipamiento técnico de última generación ni obras rebosantes de IA (como cabría esperar), ciertamente no se puede decir que falte el aporte del vídeo o la videoinstalación. Dejando a un lado toda la habitación que quedó al cuidado de Marco Scotini Titulado “Archivo de la Desobediencia (el Zoétropo)” -un estudio/archivo en profundidad de carácter “centrífugo” sobre las prácticas que han mezclado las expresiones artísticas con el activismo político desobediente-, el aporte fílmico no falta en este camino; Este es el caso de trabajos como el de Isaac Chong Wai, Ana Segoviala obra “Void” del filipino Josué Serafín o la joven artista singapurense Charmaine Poh que, con el corto “Kin”, profundiza en experiencias feministas y queer, especialmente ligadas a la comunidad asiática de su ciudad natal.
Sí, ¿por qué trabajar con “extranjeros”? pedrosa, significa también dedicarse a otra forma de racismo que no toca la historia ni la política (en sentido estricto) pero sí a la persona; una oportunidad imperdible (dados los tiempos que corren) para hablar también de sexualidades y géneros diferentes, outsider, popular, folk… porque el primer significado etimológico de la palabra “queer” es realmente “extraño”.
Perla del itinerario, colocada con gran escrupulosidad en el centro de todo el proyecto del Arsenal, la exposición homenaje concebida en 1968 por Lina Bo Bardi (Arquitecto, diseñador, editor, escenógrafo, escritor y ganador de un León de Oro a su trayectoria, que se mudó de Roma a Sao Paulo en Brasil) y creado específicamente para la galería de arte MASP. El punto de apoyo de este trabajo es su “visualización de vídeo”, legendario dispositivo realizado con placa de vidrio autoportante y base cúbica de hormigón, sobre el que literalmente colgar lienzos, con la idea de querer despojar al muro de lo sagrado y devolverle la centralidad a la obra de arte.
De hecho, hay muchos lienzos fascinantes “suspendidos” en estos dispositivos, que traen consigo historias lejanas en términos de cronología, pero absolutamente actuales en términos de temas. En esta sección –a diferencia de la dedicada a lo contemporáneo Corte Tout – hay muchos italianos involucrados, seleccionados por su separación de su país de origen; entre ellos personajes como Eliseo Visconti, que fusionó el academicismo brasileño con el modernismo europeo, la artista judía Linda Koehn nacida en Milán y que huyó a Montevideo, el pintor Juan Del Prete y la astigiana Elda Cerrato que emigró a Argentina para continuar su práctica de la abstracción cósmica. Entre los más conocidos destacan un gran zapato negro de Domenico Gnoli, un lienzo de 1931 de Mario Tozzi y la obra “Tobiolo” de 1965 de Aligi Sassu, famoso por su activismo antifascista y fallecido en Pollença (España) en 2000. .
Hacia Pabellón Central de los Jardines – segunda área comisariada de la Bienal: el mismo escrito de Claire Fontaine se combina aquí con una forma antigua, una cabaña; creado por Nil Yalter, pionera del movimiento artístico feminista, “Topaco IV” deriva de una experiencia que el artista vivió en Anatolia en la comunidad nómada Bektik. La casa se convierte aquí en un símbolo de conexión con nuestros lugares de origen y de nuestra voluntad de defenderlos, una relación compleja que Pedrosa explicita al optar por trabajar en dos “núcleos históricos” donde se desarrolla el trabajo de creativos del Sur del mundo pero formalmente. vinculado a las tendencias estéticas occidentales.
El primero de ellos es un estudio en profundidad sobre la abstracción desarrollado a través de 37 artistas de la segunda mitad del siglo XX, que amortiguaron la onda expansiva de esta corriente, haciéndola suya, sin sucumbir a este -más- colonialismo cultural. En el segundo, sin embargo, las geometrías dejan paso a la suavidad del retrato (de 100 retratos para ser exactos) que, realizado durante el siglo XX en África, Asia, Oriente Medio y América Latina; abren una ventana a autores y artistas a menudo desconocidos que, gracias a los viajes, el estudio o la literatura, se han cruzado con el modernismo europeo, remanipulándolo continuamente a su imagen y semejanza.
A lo largo de este recorrido de los Jardines la obra se compone de mucha pintura. moderno, de hecho, no queda delimitada entre estas estancias sino que, al menos en un caso concreto, sale a contaminar lo contemporáneo o viceversa; Entre las combinaciones más acertadas, en este sentido, se encuentra el diálogo entre el artista estadounidense Luis Fratino – joven prodigio del actual sistema contemporáneo particularmente interesado en defensa del mundo LGBTQ+ y queer – y Filippo De Pisis; un encuentro a través de asonancias en el que intimidad y cuerpo parecen apoyarse mutuamente.
También hay espacio para algunas reflexiones vinculadas a contextos políticos, como el enfoque dedicado a “Museo de la antigua colonia.”, en el que un enorme flujo de fotografías, intercaladas sólo con pequeños decorados ambientales, hablan de la difícil relación entre las comunidades de Puerto Rico y los flujos coloniales españoles (y en consecuencia americanos). Una historia en imágenes que nos habla de un pueblo oprimido, que tuvo que sufrir la negación despótica de su territorialidad, aceptando, de hecho, ser ciudadanos americanos a pesar de sí mismo. Extranjeros, una vez más y de forma incluso diferente, en su propio país.
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