“Silla con cuerpo reclinable” y otros chistes – Il Post

Alberto Sordi en la Bienal de Venecia, Maurizio Cattelan en el Caribe: el arte contemporáneo ha sido objeto de burla, pero a menudo él mismo se burla de sí mismo

La película hizo más daño a la reputación de la Bienal de Venecia vacaciones inteligentes de los peores vándalos y visigodos. Cuando Alberto Sordi encuentra una silla en una sala del pabellón central de los Giardini, invita a su esposa, la legendaria Anna Longhi, a esperarlo sentada junto a una palmera mientras él va a comprar la cerveza que tanto desea. Al verlo, un grupo de amantes del arte contemporáneo no puede resistirse al análisis crítico: «Silla con cuerpo reclinable: parece una esfera que primero se hunde hacia abajo y luego se eleva lentamente como empujada por el viento que mueve la palmera». “Lo compraría por dieciocho millones”. Cuando Alberto Sordi regresa sin la cerveza, su mujer exclama “¡qué puta más sucia!”. revelándose y desenmascarando a los autodenominados intelectuales.

Aldo, Giovanni y Giacomo causaron más daño a la reputación del arte contemporáneo en cuestión de segundos que décadas de historiadores del arte conservadores y hostiles. «Mi carpintero con treinta mil liras lo hace mejor, ni siquiera tiene clavos», dice Giovanni delante de esa pata de madera que dio título a su película más famosa: «Mira, este es un Garpez, uno de los más grandes vivos. escultores». Y siempre fueron ellos, esta vez en el teatro, quienes se burlaron de quienes, como yo, tratando con el arte contemporáneo, podemos sostener que una silla no es una silla, sino una obra maestra del maestro Fistalloni, que expresa el concepto de “sedialidad”. al elevar el objeto tiene un valor universal. Después de otra lección de Giacomo sobre hiperrealismo y monocromaticidad, Giovanni y Aldo se acercan a un extintor cantando las alabanzas de una obra muy exitosa, solo para que les digan que en realidad era el extintor del museo.

Aunque Alberto Sordi y Aldo, Giovanni y Giacomo se burlan de un mundo que tomo muy en serio porque es mi vida y mi trabajo, no puedo evitar reírme. El arte no es para todos como queremos hacer creer con la insoportable retórica de “la belleza que salvará al mundo”. No digo esto con desapego ni, mucho menos, con ningún sentido de superioridad. Simplemente respeto a quienes piensan que el arte contemporáneo es basura. El verdadero problema es que no hay ningún comediante que pueda superar la realidad, en determinados casos. El arte contemporáneo está expuesto a bromas, engaños y malentendidos y, a menudo, se burla de sí mismo.

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Hace unos meses, la policía de Londres recibió una llamada informando que una mujer se había desmayado en un escritorio detrás de la ventana de la galería Laz Emporium en Lexington Street en Soho. Cuando la policía rompió la ventana, se encontró frente a Kristina, una obra hiperrealista del artista Mark Jenkins. Y de nuevo: en el Museo Picasso de París una señora mayor vio una chaqueta colgada en la pared. Lo cogió pensando que alguien lo había olvidado, se lo llevó a casa e incluso le hizo un dobladillo porque era demasiado largo. Se trataba de una obra del artista Oriol Vilanova, que invitaba al público a interactuar cogiendo una de las postales colocadas en los bolsillos. Digamos que más que un robo fue un exceso de interacción. Si en estos casos hubo algún daño, hace diez años Eron de Rimini se alegró cuando un albañil enyesó su dibujo de un agujero en la pared, demostrando lo bien que estaba hecho.

En cambio, el dúo de artistas Goldschmied & Chiari se dividió en dos después de que una mañana un limpiador del Museion de Bolzano arrojara a la basura una de sus instalaciones hechas con botellas vacías: a uno le gustó mucho, el otro estaba muy enojado (pero solo al principio y ganamos). No digo quién reaccionó y cómo). Aquella obra era –o más bien es, porque después fue rehecha e incluso propuesta varias veces– un claro retrato de Italia. Su título, ¿Dónde vamos a bailar esta noche?, es una referencia al libro ahora casi inalcanzable que Gianni De Michelis escribió sobre las discotecas italianas en 1988, como vicepresidente del Consejo de Ministros (el prefacio es de Gerry Scotti). De Michelis tenía una gran pasión por la danza, lo que lo expuso a diversos ataques (Enzo Biagi lo llamó “Sobras del salón de baile”). La instalación de Goldschmied & Chiari recordó el hedonismo de los años 1980, la televisión de masas privada, la especulación financiera, un país mucho más allá de sus capacidades del que hoy quedan los engorrosos escombros políticos y sociales. Y tal vez una buena empresa de limpieza sería suficiente para poner todo en orden.

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Pero no sólo hay “chistes sobre artistas”, también los hay “chistes sobre artistas”: el mago de este tipo de arte es el artista italiano vivo más conocido, Maurizio Cattelan. Podríamos citar decenas de sus chistes, pero nos limitaremos a dos: en 1992, al comienzo de su carrera, Cattelan creó el premio de la Fundación Oblomov, que concedía 10.000 dólares, recaudados por varios mecenas, a un artista dispuesto a renunciar. exponiendo durante un año. Naturalmente, Cattelan se entregó el premio a sí mismo: gracias al dinero se mudó a Nueva York, donde comenzó una carrera increíble. La Fundación Oblomov, obviamente, no existía: se hacía referencia al protagonista de la novela homónima de Ivan Goncharov, cuya devastadora pereza es conocida. Como muestra de agradecimiento, Cattelan colocó una placa con los nombres de los donantes en la pared de entrada de la Academia de Brera (esto también era ilegal, habría pasado un año antes de que alguien se diera cuenta y la retirara).

Unos años más tarde Cattelan organizó la Sexta Bienal del Caribe. Una vez más recaudó dinero de los patrocinadores, para luego explicar que la sexta Bienal del Caribe (“sexta” para dar la idea de un “historiador” que obviamente no estuvo allí) sería unas largas vacaciones pagadas para él y sus amigos. . Detrás de estas obras no sólo había una burla a un sistema artístico débil y crédulo, sino también una actuación artística, justamente remunerada, para recordar que “el arte es una llamada a la que muchos responden sin ser llamados”, como dice Leo Longanesi ( quién sabe si realmente lo dijo, pero cuando hay una buena cita se la atribuye a Longanesi o Flaiano), que toda esta insurgencia de bienales, festivales y premios estaba comprometiendo la calidad misma del arte. Sé que hay mucha gente a la que le cuesta considerarlas como acciones artísticas, pero creo que el arte debe plantear preguntas, y Maurizio Cattelan es un defensor de ello.

Sigamos con las bromas, esta vez involuntarias: en 2017 el artista indio Anish Kapoor compró la patente de Vantablack, un pigmento negro capaz de absorber la luz al 99,965%, que cambia por completo la percepción de los objetos. En este tema, Kapoor siempre ha trabajado para demostrar que todo lo que vemos tiene una piel, una pátina, pero que hay algo más debajo. Está lo superficial y está lo espiritual, está la mente y el cuerpo, la carne y el alma de las cosas. A mediados de los 90 sus obras se vuelven monumentales: instalaciones en las que utiliza acero y espejos, que reflejan el cielo, el paisaje urbano o las personas, en un intento de cambiar el espacio circundante, de abrir un abismo hacia un mundo nuevo, al revés. abajo. Pero volvamos al negro más negro que existe: en 2018, para una de sus exposiciones en Portugal, Kapoor llenó un agujero de dos metros y medio de profundidad con ese pigmento. Incluso un abismo, si se cubre con Vantablack, desaparece. Parece un sello aplicado a la superficie. Y de hecho un visitante, pensando en un truco, dio un paso demasiado lejos y cayó desastrosamente en el agujero. Evidentemente era italiano.

Otro ejemplo de cómo la percepción puede engañar a los sentidos es la triste historia del artista Nathwell Tate, conocido como Nat. Quedó huérfano temprano y fue adoptado por una familia rica donde no vivió bien. De niño se apasionó por el dibujo y comenzó su serie más famosa, la serie Bridge inspirada en el poeta estadounidense Hart Crane. El mundo del arte se fijó en él casi de inmediato y Tate se ganó el respeto y la amistad de gigantes como Pablo Picasso, Georges Braque, Yves Klein. Fue influenciado por el expresionismo abstracto, pero su estilo poderoso y enigmático hechizó a la capital del mundo del arte, Nueva York. Sin embargo, en los primeros días de 1960, devastado por el alcoholismo y la depresión, Nat Tate recorrió a todos sus coleccionistas para pedirles la devolución de los cuadros que habían adquirido con la excusa de tener que restaurarlos o realizar algunas modificaciones. El 8 de enero, con la ayuda de su hijo de doce años, quemó toda su producción. La última persona que habló con él, el 12 de enero, fue el hombre que le vendió un billete para el ferry de Staten Island, porque a medio camino entre la Estatua de la Libertad y el Océano Militar Nat Tate saltó a las aguas entre el Hudson y el East River. . Tenía 31 años y su cuerpo nunca sería encontrado.

Afortunadamente, en 1998, sesenta años después de su nacimiento, el escritor William Boyd consiguió recomponer algunos de sus dibujos y presentarlos al mundo publicando un libro sobre la vida de Tate en 21 Publishing, la editorial de David Bowie, un gran admirador de Tate (aquí está la traducción al italiano). Para la presentación todo el mundo intelectual neoyorquino se reunió en el estudio de Jeff Koons: John Richardson, biógrafo de Picasso, habló de la amistad entre los dos artistas; Gore Vidal, que había conocido muy bien a Tate, trazó sus aspectos más personales; David Bowie leyó con emoción algunas canciones, declarando su amor por un artista al que admiraba desde niño. Después de todo, ¿quién no admiraba al gran Nat Tate en esa sala? ¿Quién no había seguido su trabajo desde siempre y estaba agradecido con Boyd por ese trabajo de investigación y restitución? ¿Quién no aprovechó aquella fiesta del 1 de abril de 1998 para hablar de su relación personal con Tate, de haberlo conocido una vez, aunque fuera fugazmente, o de cuándo supieron hablar de él por primera vez? Nadie había prestado atención a la fecha y nadie había tenido la más mínima sospecha. Era el diario Independiente, unos días después de aquella fiesta de ensueño, explicando que Boyd, Bowie, Richardson y Vidal se habían burlado de todo el mundo del arte neoyorquino. Nat Tate nunca había existido, pero nadie en esa sala admitiría que nunca había oído hablar de él.

Esta gran lección para el mundo del arte, lamentablemente, no ha servido de mucho: muchos, todavía demasiados, fingen tener dominio incluso cuando no tienen idea de lo que están hablando. ¿La moral? No hay. El arte nunca tiene moral y no le importa si quienes lo miran conocen o no el nombre del autor. Hay lugar para todos, incluso para los que no existen: Fistalloni y Garpez son artistas verdaderamente reconocidos.

Nicolás Ballario

Nacido en 1984, se ocupa del arte contemporáneo aplicado a los medios. Su lugar de nacimiento profesional es la fábrica ‘La Sterpaia’ de Oliviero Toscani, de la que se convertirá en gestor cultural. Ha colaborado con las más importantes instituciones artísticas y numerosos periódicos. Actualmente es autor y presentador de programas de arte contemporáneo en Radio Uno Rai y colabora con El expreso, Viviendo del Corriere della Sera e El diario de arte. En 2019 lidera el formato de fotografía. Cuarto oscuroen LA7, mientras que desde 2020 conduce el magacín televisivo sobre cultura contemporánea La plazaen Sky Arte.

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